Up to Eleven

5 CANCIONES 5 chiquitas

2009-05-21T17:39:00.004-05:00

Nabokov, Lewis Carroll, Woody Allen, Britney Spears, Alizée y Ernesto Laguardia... todos ellos personajes distinguidísimos que sabían o saben del gran poder de una muchachita a punto de convertirse en Mujerrrr.

5 inmorales CANCIONES para las Lolitas más bonitas.

1. Little Girls - Oingo Boingo
2. La Chica Banda - Café Tacvba
3. Young Girls - Sparks
4. Teenage Lust - The Jesus & Mary Chain
5. Girl, You'll be a Woman Soon - Urge Overkill

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5 CANCIONES 5 para la tensión

2009-04-26T04:05:00.001-05:00

¿Alguna vez ha sentido un nudo en la garganta inexplicable? ¿Alguna vez ha temido por su vida? ¿Alguna vez ha sentido que microbios y virus invaden y se comen su cuerpo por dentro? ¿Alguna vez se ha sentido abandonado, y pensado que morirá solo y olvidado? ¿Alguna vez ha temido perder el amor verdadero? ¿Alguna vez ha sentido temor por la ira de Dios?

¡No se preocupe, llegó la solución a sus problemas de tensión!

5 infecciosas CANCIONES para olvidar un poco la angustia existencial y las malas noticias...

1. The Fear - Pulp
2. Fragile Tension - Depeche Mode
3. Jigsaw Falling Into Place - Radiohead
4. Quiet Times - Dido
5. Intervention - Arcade Fire

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5 CANCIONES 5 entre semana

2009-03-03T02:15:00.002-06:00

Te levantas el lunes de mala gana; los martes cortas con mezcales la semana; los miércoles esperas aguantar en el cine sin cabecear; los jueves estás a punto de renunciar y cada viernes te enamoras de alguien nuevo en un bar.

Para aguantar la rutina, ahi van 5 Canciones para los 5 días de la semana en que mueres por un sábado.

1. Tell Me Why (I Don't Like Mondays) - The Boomtown Rats
2. On a Tuesday - Linoleum
3. Wednesday - Tori Amos
4. Thursday - Asobi Seksu
5. Friday (I'm in Love) - The Cure

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DISCO NUEVODear John - Loney, Dear

2009-02-24T13:25:00.000-06:00

¿Qué hay en un año? Amores y pérdidas, triunfos y fracasos, muerte y vida; sobretodo, vida.

Para Emil Svanängen, mejor conocido como Loney, Dear, transcurrieron dos años entre su disco debut, Loney, Noir, y su segundo esfuerzo llamado Dear John.

Solamente podemos conjeturar qué le habrá pasado a este sueco de voz delgada en este periodo de tiempo, con un poco de ayuda de los posts que ha escrito en su blog: dolor, duda, bloqueo creativo y finalmente, la necesidad imperante de crear música que él considere “nueva y emocionante”.

En Dear John están plasmados estos sentimientos, que hacen del disco un trabajo mucho más oscuro y profundo que su sucesor. Si acaso encontramos en algunas canciones al Loney, Dear que conocimos, dulce y enamorado, en la mayor parte descubrimos otra faceta más peligrosa, incluso autodestructiva en su confusión emocional.

Dear John no sólo cumple la promesa creativa de un disco debut sobresaliente, afianza a Svanängen como un músico comprometido con su oficio. Sus composiciones son extravagantes, por momentos difíciles de asimilar dentro de una sencilla canción de pop. Aquí se suman a la guitarra acústica los arreglos electrónicos, bandas de viento, pequeños glockenspiels de ensueño. Hay rincones sumamente lindos y otros casi aterrorizantes.

Emil Svanängen es, sin duda, un músico virtuoso. Esto puede ser una razón para desconfiar de él, pero el resultado no es el del puro ejercicio manual y mecánico; en su genialidad, ha creado un disco extremadamente emotivo y doloroso. Las sensaciones que transmite no podrían ser fingidas o afectadas. En cada segundo de esta producción se huele, se escucha, se siente y se ve la vida de una persona real sufriendo como todos nosotros.

Dear John es una carta abierta al recipiente anónimo, el John Doe que quiera escuchar y compartir un llanto desesperado, un susurro atemorizado o un grito extasiado; arte hermosísimo y nada más.

Dear John - Loney, Dear

2009

5 CANCIONES 5 para un corazón roto

2009-01-28T23:57:00.004-06:00

Alrededor de mí parece haber una epidemia, un virus letal ataca los músculos cardiacos y los quiebra, con promesas rotas, almas aburridas y futuros temerosos... sólo la música puede, aunque sea por unos instantes, reparar estos corazones solitarios y hacerlos latir a otro ritmo, soñar con otro amor...

El nuevo episodio de 5 CANCIONES es costura invisible para los corazones deshilados.

1. Beat Heart - Pikko
2. Golden Cage - Whitest Boy Alive
3. Tell Everybody - Roisin Murphy
4. Let It Be - The Beatles
5. Willow - The Field Mice

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5 CANCIONES 5 al fuego

2009-01-28T23:57:00.001-06:00

5 CANCIONES 5 al fuego

2009-01-15T21:56:00.000-06:00

Algunos dicen que el amor se siente como maripositas en el estomago, otros como si se te moviera el piso, otros más como si volaras en las nubes. Qué mariconadas. El amor de verdad se debe sentir como el interior de un volcán, como si la casa donde creciste se incendiara contigo y todos tus recuerdos dentro, como si estuvieras envuelto en flamas y tuvieras que revolcarte arrancándote la ropa pidiendo auxilio.

Este episodio de 5 CANCIONES va para el amor que arde y deja marcas como quemadura de tercer grado.

1. Fire - Arthur Brown
2. Ring of Fire - Johnny Cash
3. Love Burns - Black Rebel Motorcycle Club
4. Incinerate - Sonic Youth
5. Back of the Van - Ladyhawke

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Burn!

5 CANCIONES 5 para ellas

2008-12-15T23:48:00.005-06:00

Que se rindan todos los escritores y compositores, no hay tramas ni temas nuevos. Toda buena historia, poema y canción trata sobre una mujer. También que se olviden de los títulos: nada más preciso que sus nombres.

Aquí van 5 Canciones sobre cinco chicas, cinco suspiros, cinco serenatas...

1. Isabella of Castile - Starfucker
2. Baby Jane - Belle & Sebastian
3. Claudine - The Bats
4. Melpomene - Kashmir
5. Andy - Neko Case

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5 CANCIONES 5 en el espacio

2008-11-21T00:35:00.005-06:00

Imaginábase Milton que, de tener corazones puros y castos, la humanidad sería capaz de escuchar las armonías procedentes de las estrellas en su girar por los cielos... la música de las esferas.

350 años después, 5 canciones intenta llegar a sus corazones con cinco temas inspirados en el cosmos, cinco pequeños universos en si mismos.

Buen viaje.

1. 2 Wicky - Hooverphonic
2. The Late Great Cassiopeia - The Essex Green
3. Mi Aventura Espacial - La Buena Vida
4. My Beauty in the Moon - Kelley Polar
5. Space Oddity - Natalie Merchant

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5 CANCIONES 5 para siempre

2008-10-14T01:30:00.002-05:00

El autor de esta bella imagen es Oscar V.

Así funciona la cosa: conocen a una nueva persona, un extraño cualquiera. Por razones que son de cada quien, van aprendiendosobre esa persona, lo nuevo se vuelve costumbre y poco a poco van dándose cuenta cómo funciona la cabeza de ese ser, saben cómo mueve los labios cuando habla y podrían adivinar cuál es su mano si la pone sobre sus hombros.

Y lo peor es que les gusta. Les gusta tanto que se distraen, por el tiempo suficiente para que ese extraño construya dentro de ustedes una casa. Es una casa de ladrillos y cemento, bien macizota.

Puede ser que quieran recuperar ese espacio interior, pero por más que lo intenten, por más que soplen y soplen, es imposible tirar esa casa. Ahí está y ahí estará, con leña ardiendo siempre en la chimenea.

Este episodio de Cinco Canciones va dedicado a los amores eternos y los nuevos hogares.

1. Happy Together - The Turtles
2. Forever More - Moloko
3. With You - Pnau
4. Gorecki - Lamb
5. After Hours - The Velvet Underground

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5 CANCIONES 5 para antrear

2008-09-22T01:05:00.003-05:00

Por ahí me dijeron que la felicidad se mide en BPM's.

Por eso no hay nada que se le compare a una noche sudorosa en un club oscuro, bailando a la luz del estrobo y con una bocina reventándote un oído.

Cuando el primer pie se levanta del piso y el otro le sigue, ya no hay nada que hacer mas que disfrutar. Este episodio de 5 Canciones va como un homenaje a todas esas noches de cadera en movimiento y brazos en el aire.

1. The Shy Retirer - Arab Strap
2. Disco Blackout - Controller. Controller
3. Duri Duri - Click
4. Heartbeat - Annie
5. Friday Night - Lily Allen

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5 CANCIONES 5 para deschongarse

2008-08-18T23:50:00.005-05:00

Llega un punto en la vida de cada hombre y mujer en que debemos entregarnos a los designios de Satanás y ponerle como si no hubiera mañana. Hacer llorar al Niño Dios sin tregua.

Ya no se hagan los mustios, que la inocencia no les va... lo de hoy es deschongarse. Agarren al descuidado o mareada más cercano y denle vuelo a la hilacha. ¡Disfrútense, carajo!

1. Cheap and Cheerful - The Kills
2. Wolf Like Me - TV on the Radio
3. Get Off - The Dandy Warhols
4. I'm So Excited - Pointer Sisters
5. La Revolución Sexual - La Casa Azul

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RESEÑA All Points West Music Festival @ NYC

2008-08-11T00:38:00.000-05:00

Hay fino y también hay fino. Desde el traje de pachuco hasta el diamante de Tiffany’s.

All Points West estuvo retefino.

Se antojaba sabroso ya de entrada, prometiendo dos noches de Radiohead seguidas y una locación inigualable, con el skyline más famoso del mundo al fondo.

Resultó eso y más.

Porque el viaje obliga a ir a los museos, visitar los parques, recorrer la ciudad, pasársela verdaderamente chévere. Eso le falta a los Austin City Limits o los Coachellas (tan cerca de Tijuana y tan lejos de Manhattan).

Aquí las cosas se hacen con clase o nada más no se hacen. Los nativos han visto tanto que pocas cosas los sorprenden. APW debía estar al nivel.

Primera parada: un puerto cerca del distrito financiero. Ahí se abordaba un ferry que nos recordó bellas escenas del Caballero de la Noche. Aunque la gente llenaba el pequeño embarcadero, no se esperaba mucho tiempo para navegar.

Con el estilo de un bicicletero en el Foro Sol, el transbordador te daba un ride al otro lado de la bahía –del lado de New Jersey para ser exactos– mostrando la ciudad a lo lejos.

Bienvenidos a Liberty Park: sencillo, pero bonito (como argentino). Unos cuantos andadores para correr y áreas verdes, dando la espalda a la Estatua de la Libertad.

All Points West revistió esto con tres escenarios mas bien chicos, pero potentes, y unas cuantas tiendas de comida, mercancías e instalaciones artísticas.

Una pena que los horarios se empalmaran todos. Había que perderse a muchas bandas forzosamente.

Lo positivo es que eso obliga al individuo insaciable a practicar la meditación, la contemplación y sobretodo, a ejercitar los esfínteres para sobrevivir un atorón en el Segundo Piso del Periférico.

De esas pocas bandas, un pequeño resumen:

Los Mates of State son divertidos, no más que eso. De un solo chiste, gustaron pero se volvieron repetitivos muy rápido. Escuchar Fraud in the 80’s fue un gran comienzo de festival.

New Pornographers, muy buen show. Para haber sido las 4 y con lluvia amenazando la tarde, se rifaron una gran hora de rock ligero y pegajoso. Bromistas y acompañados por Neko Case, seguía la mata dando.

Duffy es tan ñe como su nombre. Algunos bailaban con su soul estudiado, pero como diría George Harrison: "Eso ya se ha visto".

Underworld rockeó pesado. Los olores de mariguanas potentísimas llenaban el aire, y las güeritas en minishorts bailaban libres al ritmo del dance. Me dicen que CSS también estuvo bueno, pero no hubiera cambiado ese momento por nada del mundo.

Chromeo. Un poco tarde pero llegamos a oír buen techno pop guapachoso, iniciando bien el segundo día, ¡más caluroso que el anterior! La Estatua se veía abrumada.

Metric fue estupendo. Emily Haines iba entallada en un body dorado y tocaron con pasión. Buenas canciones: Monster Hospital, Combat Baby, Dead Disco y cerraron con una gran interpretación de Live it Out.

Animal Collective capturó a la gente con su art-rock de primera categoría. Aunque su show es prácticamente nulo, las texturas y atmosferas que crean son ya referencia obligada. El volumen incrementó sustancialmente permitiendo una experiencia ponedora.

Kings of Leon fueron un martirio. Había que chutárselos para estar en buen lugar y ni modo. Estos cristianos sólo prenden a los alimentados con una dieta estricta de los Duques de Hazard, Bud Light y acostones con su hermana. Y a unos cuantos mexicanos que creen que eso es kool, wey. Inicia música Marlboro.

Y finalmente, Radiohead. Dos conciertos con setlists y paisajes distintos.

El primer día subió al escenario el Radiohead clavado y agresivo. Nos cercenaron con versiones cabronas de Jigsaw Falling Into Place, Bodysnatchers, Paranoid Android, Idioteque, Weird Fishes, You and Whose Army y Everything in its Right Place. También hubo momentos muy tranquilos, con Nude, Street Spirit, House of Cards, Videotape y Thom solo al piano con Last Flowers. Fue un show brutal y bastante largo.

El segundo día, Radiohead se sensibilizó con la buena onda del sábado soleado y se mostraron desenfadados y nostálgicos. Del baúl sacaron a Planet Telex, Exit Music, Fake Plastic Trees, Where I End and You Begin, No Surprises, Airbag, y ahora con Thom rifándose con la batería de Bangers & Mash. Este show fue media hora más corto, pero nadie se quejó, haberlos visto en facetas tan diferentes y una misma energía fue un regalo exquisito, y regaladas hasta las puñaladas.

Satisfecho, regresaba uno a la ciudad con la finura y el oropel a flor de piel. Aplausos.

¿Alguien fue al 3er. día?

DISCO NUEVO Beautiful Future, Primal Scream

2008-07-29T15:41:00.006-05:00

Beautiful Future
Primal Scream
género: rock, psicodelia
2008, Warner

Hace dos años estaba recién nacido este humilde blog, y una de las primeras reseñas publicadas fue sobre el disco Riot City Blues, de Primal Scream

Ahora, la banda de Glasgow trae un disco flamante desde su portada titulado Beautiful Future, en donde se muestran más pop que nunca, incluso más que en su legendario Screamadelica.

Por momentos uno pensaría que está escuchando a New Order y no a la banda psicotrópica del XTRMNTR, pero es cierto, Bobby Gillespie se pone el disfraz de Prince y nos entrega su trabajo más dulce y pegajoso.

Aquí están las pianolas de las Pipettes y los aplausos de Peter Bjorn & John (Bjorn mismo produjo un par de tracks del disco), pero también el blues violento de Tom Waits y el festivo de los Black Crowes. Incluso el fantasma de Marvin Gaye se asoma por ahí en las baladas que cierran el disco.

Para su deleite, truénese una oreja con el primer track que da nombre a la placa, también con Go Back (la canción más apegada al sonido de la banda); The Glory of Love, una balada chula como muchachita capullito en flor, y con la franca y potente Necro Hex Blues.

Sin restricciones y nada que probar, Primal Scream nos regala otra colección cachondona y rocanrolera, como les gusta a los puristas y a sus noviecitas por las noches.

Otro fuerte contendiente para disco del año.

¡Feliz cumpleaños, Up to Eleven!

5 CANCIONES 5 para navegar

2008-07-29T00:46:00.009-05:00

Para navegar se necesita tener en la mente el futuro: se debe imaginar la costa para poder llegar a puerto. Este episodio de 5 Canciones cruza el océano para llegar a todas sus playas mentales.

Como mecerse en las olas.

1. Down to the Waterline - Dire Straits
2. You Drift Away - The Postmarks
3. Beyond the Sea - Bobby Darin
4. Silently - Blonde Redhead
5. Walk on the Ocean - Toad the Wet Sprocket

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5 CANCIONES 5 para ver llover

2008-07-13T20:00:00.006-05:00

gracias a Lucía y Lorena por las ideas y la música.

La Ciudad de México parece querer volver a su estado acuoso, se inundan las avenidas como los viejos canales y nuestros coches regresarán a ser chinampas.

Yo quiero volver a ser un pez y pegar mi nariz en un pesero.

1. Summer Rain - Johnny Rivers
2. Rain - Bishop Allen
3. Sometimes - James
4. Let it Rain - Tilly & the Wall
5. Rains on Me - Tom Waits

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5 CANCIONES 5 para morir

2008-07-03T09:59:00.001-05:00

Hay pérdidas tan grandes, que sólo una canción puede liberar el dolor que hay dentro. Las palabras sobran, pero las notas y los suspiros nos permiten acercarnos una vez más a la vida de los que extrañamos. Que este episodio sirva para recordar a los que se han ido y para catalizar en los que quedamos el llanto que nunca termina.

1. Ouija Board, Ouija Board - Morrissey
2. Are You Gone? - Cranes
3. At My Funeral - Crash Test Dummies
4. Rapture - Antony & the Johnsons
5. On the Death of the Waters - Shearwater

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En amada memoria de Roberto Caballero.
1968-2008

5 CANCIONES, 5 para coger pt. 2

2008-06-16T00:10:00.002-05:00

Esta vez, el espacio entre podcasts disminuye, para que no se enfríe la audiencia y siga poniéndole cachondez al asunto. En este episodio, el lado masculino del arte sexual. Pónganle play a su sensualidá.

1. Break My Body - Pixies
2. Closer - Nine Inch Nails
3. Look - Sébastien Tellier
4. Playground Love - Air
5. Anna Begins - Counting Crows

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RESEÑA Festival Colmena @ Tepoztlán, Morelos 7 de junio 2008

2008-06-09T10:59:00.001-05:00

o "Miles de emos se autoflagelan asistiendo a festival infernal"

Imágenes de Evelio

México sufre de 'festivalitis', como bien lo apunta Patricia Peñaloza en su columna de La Jornada.

Aparentemente, la 'festivalitis' puede provocar demencia, psicosis y aunque no está comprobado, hasta la muerte.

El Festival Colmena 2008 presumía de ser un festival sano, pero resultó siendo un foco de infección letal para los asistentes, sus organizadores, y el futuro de los festivales en el país.

HISTORIA DE UNA EPIDEMIA

12:00 hrs.

La gente en Ciudad Universitaria subía a los camiones. La mayoría se veían emocionados. No así los encargados de Live Tours, quienes se quejaban de hueva por tener que esperar a que se fueran todos en la noche. Algo no pintaba bien.

14:20 hrs.

Arribamos a Tepoztlán. Lo único que parecía ominoso era el clima y es que a la lluvia de Tepoztlán hay que tenerle respeto. Afuera del lugar, la banda aprovechaba para tomarse unas caguamas. En la cola podíamos escuchar los gritos lastimeros de Natalia Lafourcade, quien hacía el ridículo a control remoto.

15:00 hrs.

El 'recinto sagrado' resultó ser una pinche cancha de futbol enclavada entre cerros majestuosos. Bajamos por un camino de tierra sin iluminación y encharcado en partes. Sería un reto a la salida. Ya en la explanada nos encontramos con una producción pequeña. Agua, cerveza sin alcohol, puestos caseros de comida. Nos sentamos a relajarnos, pero la ‘festivalitis’ seguía su infección y ya habíamos perdido la conciencia de dónde estábamos y de quiénes estaban a cargo de nuestra seguridad. Cerca de esa hora escuchamos a Juanson, los Simplifires, Los Dorados y los Cojolites. Todos intradescendentes.

17:00 hrs.

La Chikita Violenta se presenta y resultan peores que de costumbre. Al final de su set, agradecen a un tal Pablo (Zacarías, organizador) por el festival. Muchos habríamos de recordar su nombre y a su mamá horas después. Por lo pronto, agradecimos que el set de los pedorros esos fuera tan corto.

18:00 hrs.

Andrew Bird aparece solo sobre el escenario. Armado con un violín y una guitarra, crea la música más hermosa, grabándose él mismo y sampleando lo recién tocado. Bromista y virtuoso, se ganó al público. Una verdadera revelación: ese hombre tiene en un dedo meñique más talento que todos los bananeros que se presentaron antes que él.

19:10 hrs.

La espera ha terminado, y Sigur Rós interpreta su primera canción. Por unos instantes, los 3 cerros se ven hermosos, iluminados por la música de los islandeses, pero Sigur se detiene. El baterista sufre de alguna aflicción misteriosa (¿festivalitis?) y debe dejar el escenario. 40 minutos después, regresar era ya una misión perdida. Sin un integrante, logran interpretar 3 canciones más, adornadas con una efectista lluvia de papel y plástico que sugería una nube de luciérnagas. ¿Alguien del festival ‘ecologista’ pensó en el daño de ese detallito? ¿En todos los animales alrededor que habrán muerto por comerse esos pedacitos de plástico brillante? La presentación de la banda fue como si el bebé de Ágætis Byrjun hubiera nacido muerto.

21:20 hrs.

Termina oficialmente el festival, Nos dirigimos al camino de salida, para encontrarnos atrapados. La columna de gente apenas se mueve. Recordamos la falta de luz y los charcos, caminando paso a paso en oscuridad total. No vemos a ningún organizador en todo el trayecto.

22:00 hrs.

En la carretera nos encontramos con el peor caos jamás visto. Mares de personas sin orden alguno preguntan por los camiones. Algunos ya van llenos, pero van en sentido contrario. Pobres de sus pasajeros, seguro no salieron de ahí hasta bien entrada la madrugada. Un organizador desquiciado intenta contestar a las preguntas de miles, sin lograrlo. La gente comienza a darse cuenta: estamos todos varados en quién-sabe-dónde. Comenzamos a bajar por la carretera en busca de un camión, de alguien con respuestas, lo que sea. Miles nos acompañan, es lo único que nos hace sentir seguros, pero el miedo es inminente. Dos horas después, encontramos un hotel y decidimos probar suerte con un cuarto. En la recepción nos dicen que es el lugar donde se quedan las bandas y los organizadores. De pronto aparece Sigur Rós en el lugar, con baterista y todo. Fue un golpe de suerte ridículo en medio de nuestro infierno. Seguido, entra uno de los organizadores. La dueña del hotel le pregunta: “¿Qué pasó, está todo bien?” Nosotros esperábamos una respuesta agitada, una preocupación por los miles que caminaban sin rumbo en la oscuridad. En cambio, la respuesta del idiota es: “Todo bien, ya conseguimos el alcohol, ahora sólo me preocupa que esté bien el sonido”. ¡¡Organizaban su after party!! Ese fua la gota que derramó el vaso. Minutos después, un taxi nos recogía y conseguimos un aventón al DF. Habíamos escapado, pero como pudimos constatar de bajada, miles aún buscaban desesperados una manera de regresar a sus casas. Estoy seguro que muchos no lo lograron.

3:00 hrs. del domingo

Maltrechos y frustrados, llegamos a nuestras casas. Con una promesa rota de organización espectacular. Con una desesperación en el corazón por saber que lo que pudo haber sido un concierto estupendo, fue un rotundo fracaso. Con adrenalina aún en la sangre y los músculos, a sabiendas de que cualquier cosa nos pudo haber ocurrido en ese tramo olvidado de carretera. Pensamos en la gente que no tuvo tanta suerte como nosotros, a la que sí le pasó algo, en una chica embarazada que vimos, otro con muletas… ¿Qué fue de ellos? ¿Estarán bien? ¿Habrá alcanzado la champaña en la fiesta privada de 2 Abejas?

DIAGNÓSTICO FINAL

El Festival Colmena 2008 murió la noche del 7 de junio a causa de estupidez organizativa.

Sus asistentes estuvieron a punto de morir debido a su confianza en una empresa improvisada de producción, con cero conocimientos de logística.

Sus empresarios se inflaron las carteras a costa de miles de enfermos que sólo querían ver a su banda favorita.

Otros cientos aún sufren de alucinaciones peligrosas, argumentando que todo lo que ocurrió anoche vale la pena por haber visto a Sigur Rós 40 míseros minutos. No hay nada que hacer por estos pobres, su muerte cerebral es irreversible.

Otros miles más necesitarán tomar medidas urgentes de curación, abriendo una demanda legal contra 2 Abejas por los siguientes cargos: incumplimiento de contrato, fraude y poner en riesgo a sus clientes y la vía pública.

Si este festival hubiera ocurrido en otro país, alguien ya estaría en la carcel y todos tendríamos el reembolso de nuestro boleto. Si todos los que fuimos tuviéramos conciencia cívica, sería nuestra obligación entablar esa demanda inmediatamente, para proteger a futuros asistentes a conciertos que merecen ser tratados con responsabilidad.

Pero me imagino que no pasará nada, nos dejaremos abusar como siempre. Porque estamos enfermos de festivalitis aguda. Porque 'estuvo chida la lluvia de papelitos'. Porque nos vale madre todo. Así nos educaron y así moriremos. Explotados y apendejados. Pero no pendejos como los 2 Abejas, que merecen no volver a organizar nada en sus vidas y pudrirse en una celda por imbéciles.

Firmen la petición de demanda aquí.

5 CANCIONES 5 para coger

2008-06-03T02:55:00.000-05:00

En este episodio de 5 Canciones, el lado femenino de la actividad favorita de todos. La coquetería, la clavadez (de uñas), la ferocidad. Pónganse el podcast y pónganle sabroso.

1. Golden Star – My Brightest Diamond
2. Fuck and Run – Liz Phair
3. The Operation – Charlotte Gainsbourg
4. Because the Night – Patti Smith
5. We Exchanged Words – Azure Ray

“We exchanged words
Through smoke-filled mouths,
And then we found our bodies
Speaking loud
And our hearts pressed against the flesh
Trading stories
Of love's pain, doubt
And rivaling insecurities.
When did we learn to speak without words?
And in tongues?”

Azure Ray

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RESEÑA Jay Jay Johanson, Salón Covadonga, D.F. 23 de mayo 2008

2008-05-28T12:49:00.008-05:00

fotografía de Alejandro Melendez

La noche del pasado viernes, el Salón Covadonga presentaba un lleno normal para una noche de fiesta. Sin embargo, subiendo las escaleras de mármol al primer piso, comenzaba a enrarecerse el ambiente con una electricidad peculiar, y en las sonrisas de los asistentes podíamos prever una noche fantástica.

Ya tarde, cerca de las 12 y media de la noche, el sonido ambiental se fue apagando, y todos en ese salón oscurecido volteamos al escenario. Sobre él, uno a uno, surgieron cuatro figuras muy blancas, fantasmales. Era Jay Jay Johanson y su pequeña troupe de magos musicales. La euforia del público se hizo presente desde un inicio, se mantuvo y fue creciendo conforme el trovador sueco iba engatuzándonos a todos con su dulce voz y las bellas armonías del bajo y teclados que lo acompañaban.

De ojito cerrado en las canciones, y sonrisa amplia entre ellas, Johanson se veía sumamente emocionado por regresar al país donde ocho meses atrás, había llegado a cantar con mil contratiempos a una barranca polvosa y como segundo plato de Björk.

Esta vez, en un lugar tan cálido, apenas con unas 500 personas frente a él, decidió ofrecernos una velada romántica, éterea, para verdaderos fans que corearon cada una de las canciones que los músicos tendían sobre nosotros como una manta acogedora. La figura delgada de Jay Jay hipnotizaba a todos, su liviandad se traducía en canto: el público lo atendía sin quitarle los ojos de encima.

Así, nos regaló varias de sus mejores canciones, entre las que sobresalieron She Doesn’t Live Here Anymore, Far Away, una versión silenciosa de On The Radio, I’m older now y She’s mine but I’m not hers.

De corta duración pero intensa sensibilidad, el concierto terminó entre efusivos aplausos y ahí nos quedamos un rato más para degustar lo que habíamos escuchado. Como un Eros moderno, Jay Jay bajó de su reino en los cielos para supervisar que todo estuviera bien en esa romántica noche.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Songs in A&E, Spiritualized

2008-05-27T22:34:00.007-05:00

Songs in A&E
Spiritualized
Universal
2008

Más de dos necios han intentado simplificar la carrera musical de Jason Pierce ("seguro el nuevo disco es otra oda a Dios, las drogas o sus trips neosicódelicos, o metáforas sobre el fuego...") Digamos que ésa es una visión pobre y simple de los fantasmas de la creación melódica de Jason Pierce. Pues lo que lo distingue del resto es su efusión creativa y no inspiración pueril estancada como cualquier bandita de fin de semana del NME.

Con el paso del tiempo algo parece quedar claro con Spiritualized. Jason Pierce no volverá al minimalismo del Lazer Guided Melodies (1992) o la exactitud majestuosa del Ladies and Gentlemen We are Floating in Space (1997) pero la veta explorada en el Pure Phase (1995) lo seguirá acompañando por el resto de sus días. Una enfermedad que lo tuvo postrado en el hospital no le impidió hacer una serie de sesiones acústicas en Inglaterra. Los admiradores de esta banda ya teníamos los antecedentes necesarios para saber que el camino de regreso de Jason Pierce era un intento de sanación del alma, un estrujante arrebato de cordura y eso eran buenas noticias...

Su nuevo trabajo vive de sus pausas /interludios que anuncian canciones intoxicadas de fe, de salvación, de imponentes claustrofobias de rendención personal (Death Take Your Fiddle). Espectro sonoro que impone la tensión garage fallida del Amazing Grace pero ahora equilibrada (You Lie You Cheat). Un viaje que inicia con un hermoso coro de veinte segundos (Interlude 1) interrumpido por una hermosa campana (primer segundo del track Sweet Talk) para saber que esta colección de 18 canciones seguirá con el léxico que aterrizará en ciertos terrenos conocidos pero con dimensiones más sobrias que el Let it Come Down (2001) que no subrayan el tono sentimental de un Stop your Crying. ¿Pero que tal la respiración sampleada de un Jason Pierce agonizante/en coma/sobreviviente que desborda/arropa la canción Death Take Your Fiddle: un genial equilibrio de esperanza que lacera por su intensidad expresiva. I Gotta Fire es una canción acentuada con la vitalidad rítmica del Amazing Grace y bueno... el track cinco: (Soul on Fire) ya se erige como la mejor canción del año para su servidor. El interlude 2 es un hermoso piano que pone su énfasis en un color sonoro turbio (como ese 14 de abril de Drukqs de Aphex Twin) La siguiente canción (Sitting on Fire) es una confesión de fragilidad que implora la cercanía de la piel.

No es el mejor disco de Spiritualized. Pero he aquí un catálogo de canciones que iluminan y que no empobrecen el espíritu.

DISCO NUEVO Mucho, Babasónicos

2008-05-27T00:40:00.006-05:00

Mucho
Babasónicos
2008, Universal Music
género: rock pop latino

¿Quiénes son los Babasónicos, verdaderamente? ¿Son la banda de funk de Trance Zomba, la de lounge de Dopádromo, la de metal de Babasónica, la de boleros de Infame o la de pop de Anoche?

¿Quiénes son estos lanusenses, que en el momento más triste de su historia pueden producir su disco más feliz?

Tras el deceso de Gabo, bajista y miembro fundador, los Babasónicos regresan con Mucho, disco que lejos de sonar melancólico refulge por su festividad anacrónica. Siguiendo el camino del pop trazado desde Jessico, esta nueva producción encuentra un balance perfecto entre las melodías pegajosas y las letras siempre ácidas de Adrián Dárgelos (que aquí lastiman de tan hermosas).

Donde otros discos languidecían entre regodeos sicodélicos, Mucho ataca directo a la yugular en cortos 31 minutos. Esta duración es peligrosa, ya que invita al escucha a devorarlo una y otra vez en cadena, como una pastilla feliz directa al torrente sanguíneo. Sobretodo tomando en cuenta el estupendo trabajo de estudio que la misma banda ha producido. Cada rincón de esta casa luminosa llamada Mucho oculta un sonido nuevo y sorprendente.

Es difícil creer que ésta sea la misma banda que hace diez años nos hacía rechinar los dientes con ruido puro. La dulzura que reside en estas canciones —Como Eran las Cosas es probablemente la balada más sincera de Dárgelos— sólo podía ser llevada a buen puerto por una agrupación que ha estado en el infierno y de regreso.

16 años después de su primer trabajo, los Babasónicos se coronan como los reyes del rock en español. Para aquél que los ha escuchado todo este tiempo, Mucho es un festejo por tantos años de amor recíproco y un homenaje agradecido a Gabo, a quien todos extrañaremos.

El primer sencillo, Pijamas:

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO Oh, My Darling, Basia Bulat

2008-05-26T22:29:00.007-05:00

Oh, My Darling.
Basia Bulat
Rough Trade
2008

Pasan los primeros setenta y tres segundos de este disco y... ¡ha terminado la primera canción! ¿Qué demonios fue eso? pregunto al aire. Sí. Basia Bulat necesita apenas un minuto para elaborar un retrato inmutable de una historia amorosa que se antoja ya un callejón sin salida en Before I Knew:

Oh, it was the first time I fell in love
the first time I felt my heart
it was the first time I sang out loud all through the night
but before I knew I was lost,
before I knew I was a prisoner
and I still can't find a way to make it right

Ella tiene 24 años y es originaria de London, Ontario. Sobra decir que su disco suena a todas las influencias posibles: Anna Domino, Nico, Natalie Merchant, Joni Mitchell, Patti Smith y todas las que puedas acumular. ¿Entonces qué la distingue? Tal vez el ensimismamiento de unas discretas cuerdas, los escasos arreglos, su brevedad: sus miniaturas perfectas. Porque Basia Bulat ha asimilado el encanto de, si se me permite el término, una lucidez femenina sencilla y turbadora. En la canción December, por ejemplo,

I touched the ink on my paper,
a permanent scar
I'm gonna carry forever to remember your arms
and though your eyes were december when you had june in your heart

¿No es un cántico otoñal que lacera de manera exhuberante?

Este disco salió a mediados del 2007 en Canadá para fortuna de unos afortunados. Ahora la filial de Rough Trade en Estados Unidos lo ha sacado hace un par de meses para poder disfrutar la sensibilidad de un diamante en bruto que emerge.

Aquí se pueden escuchar cinco tracks de este disco.

Nota aparte. Esa portada no es gratuita: es un descarado y honroso homenaje al Clouds de Joni Mitchell (1969)

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDOKeep Your Eyes Ahead, The Helio Sequence

2008-05-25T23:45:00.006-05:00

The Helio Sequence
Keep Your Eyes Ahead
Sub Pop
2008

Es muy temprano para decirlo pero...

He aquí uno de esos 20 discos que deben escucharse en el 2008. No es una obra maestra, no hay intentos de alcances profundos para desentrañar el sentido de la existencia, tampoco es una colección de canciones pop perfectas. Nada de eso. Keep Your Eyes Ahead es sólo una decena de canciones sencillas de sensibilidad exquisita y mundana. Lately, la canción inicial destella/presume el optimismo (imposible) después de la ruptura amorosa; Can't Say No sorprende por su prendida brevedad vital. Shed Your Love es el himno de tu universo roto después de un fracaso amoroso. Broken Afternoon es una clarísima cadencia con todos los ecos del eterno Bob Dylan para celebrar los caminos del futuro que desaparecen. You Can Come to Me tiene las coordenadas de un lado b de James, pero con remansos electrónicos más inocentes.
The Helio Sequence en su cuarto disco han elaborado una sutileza espléndida gratificante con una madurez que anuncia que el mejor disco de ellos está por venir. Una fulgor que fluye.

En el sitio de myspace se pueden escuchar/disfrutar cuatro canciones que merecen aplauso.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO Everything's the Rush, Delays

2008-05-25T22:49:00.005-05:00

Delays
Everything's the Rush
Polydor
2008

Vuelven a sonar las doce canciones del nuevo disco de los Delays y lo confirmo con desilusión...no pasa nada. Doce tracks repetitivos de acordes cansados y las letras más sosas que he escuchado en meses. Basta escuchar ese espléndido:

Love made visible
Your skin feels incredible

del track Love Made Visible para saber que la banda de Southampton ha perdido el camino. Basta escuchar los diez segundos iniciales de los arreglos escuálidos de cuerdas de Hooray para saber ya no hay sorpresas, que la vitalidad mostrada es sus dos trabajos anteriores se ha extinguido. Doce débiles canciones que se atropellan en acordes a medio tintas, sin la contundencia fresca y prometedora de su Faded Seaside Glamour (2004) Un vaivén impreciso sin imaginación que le cuesta trabajo llegar al final. En pocas palabras: los Delays con este tercer disco parecen demostrar que están más comprometidos a estar en una prueba de velocidad (tres discos en cuatro años) sin estar en plena forma: han dejado de preocuparse por hacer canciones sencillas (Long Time Coming es un ejemplo perfecto) para componer un manojo asfixiante de más vicios que virtudes. Un disco sin vida.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO April de Sun Kil Moon

2008-05-19T22:18:00.004-05:00

Sun Kil Moon
April
Caldo Verde
2008

La inteligente madurez.

Yo soy de los que creía que Mark Kozelek había escrito sus mejores canciones con Red House Painters. Yo creía imposible volver a escuchar la rebosante fragilidad de gemas/canciones como Grace Cathedral Park o Mistress. A principio de los 90 Red House Painters era la banda más triste y sensata del planeta y Mark Kozelek un joven que no tenía miedo de explorar los fracasos del desamor en canciones épicas como Medicine Bottle. Con el correr de los años los discos de RHP fueron menos novedosos (Songs for a Blue Guitar y Old Ramon son los más olvidables de su carrera, pero el disco de la montaña rusa, 1993, es una obra de arte)

Sun Kil Moon es Mark Kozelek lo que es decir Red House Painters o viceversa. Pero lo que importa es que April es el mejor disco de Kozelek en más de una década, así de simple. La primera canción, Lost Verses desahoga escombros personales:

I’m staring up into the sky
While all the raining is pouring down
I’m reaching out for your help
But evil beings hold me backwards

All shapes and shadows move in and out
And hover round my bed
Voices arrive and disappear
I want to talk to them

De esta forma inicia el nuevo disco de Kozelek. Tal vez tengan razón los críticos que tachan de monotóno su sonido. Tal vez. Pero es indudable que su fertilidad lírica es inquietante una vez más. El abandono, las fobias, las incertidumbres caben en este testamento producto de la atenta observación de algunas penumbras poéticas. Lucky Man, por ejemplo, es una obsesiva repetición de unos cuantos acordes para ofrecer un cielo gris hermoso. Once melodías vestidas de apasionamiento con una simple guitarra. Once conjuros de melancolía acogedora.

En su sitio de myspace se pueden escuchar cuatro canciones de uno de los mejores discos del 2008.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDOOcean Fire, de Ryuichi Sakamoto/Christopher Willits

2008-05-19T20:25:00.008-05:00

Ryuichi Sakamoto/Christopher Willits
Ocean Fire
12k
2008

...tal vez la colaboración más osada de año...

En 1986 Stephan Micus sacó a la luz una plegaria dedicada al mar (una de sus tantas obras maestras, Ocean, 1986) Desde entonces ese universo infinito no había tenido un nuevo himno, una textura musical que revelara de manera apropiada la calidez/frialdad de los amaneceres/ocasos que se esconden.

Los recuerdos hacen más profunda la soledad del hombre, sentenció Flaubert ¿Qué ideas evoca el mar? No existen respuestas contudentes sólo sabias variaciones que nos hacen sentir en casa. Porque las texturas que componen este hermoso disco siguen los pasos de Fripp y Sylvian (sólo hay que escuchar con paciencia el Gone to Earth, 1986) pero, al mismo tiempo, este entramado melódico es un mapa donde dos genios musicales plasman contornos/horizontes ancestrales. La bella portada diseñada por Taylor Dupree anuncia la inmensidad de este disco: una plegaria de siete partes dedicada al inmenso mar. Siete tracks donde los acordes brillan de detallismo. La guitarra procesada de Willits acaricia el piano de Sakamoto en Chi-yu, track cuatro, en un engranaje mayúsculo de armonía y sobriedad: nueve minutos de sonidos fragilidad, de ilimitada deriva. Ocean Sky Remains, track final, parece brotar de innumerables acordes brumosos sin paisaje prometido. Un disco de pura efervescencia creativa.

Si eres fan de Fennesz y sus arreglos de filtros cristalinos, este disco te dará reflejos insospechados.

En este sitio se pueden escuchar los 8 minutos del track inicial de esta maravilla

DISCO NUEVO Hey Ma, James

2008-05-14T10:54:00.002-05:00

Hey Ma
James
Mercury Records, 2008
género: rock pop

La primera vez que escuché a James, como la primera vez de muchos otros, fue en MTV, con el video de ‘Laid’. Me enamoré desde las primeras notas, emanaba tanta alegría de ellas. El falsetto de Tim Booth en el coro es uno de los momentos más memorables del rock y el video en sí era fantástico. James era, definitvamente, una banda distinta a las demás.

Muchos años han transcurrido desde entonces, en los que fui descubriendo sus discos anteriores y fui comprando aquellos que iban apareciendo. Cada uno de ellos, una lección sobre la belleza y el amor por la vida. James son, realmente, una banda diferente: optimista, cínica y sobretodo, sublime.

Luego anunciaron su separación y algo murió dentro de mí. Y luego anunciaron que estaban grabando de nuevo, y ese algo revivió. Hoy escuchó su nuevo trabajo, Hey Ma, y sé que el mundo es mejor y más bello porque existe este disco.

Desde Laid que James no escribía un cúmulo de canciones tan alegres. Sólo hace falta escuchar el primer track, donde Tim Booth canta, casi grita: “I’m alive!”, para darse cuenta que frente a nosotros hay una banda renovada y mejorada. De regreso están Larry Gott y Andy Diagram, guitarrista y trompetista respectivamente, y esto se refleja en la enormidad del sonido, que poco a poco se había ido diluyendo entre efectos de estudio en los últimos discos.

Entre mis favoritas: Hey Ma, rolita antibélica con rasgueos de ensueño y el coro más pegajoso de todos los tiempos (Hey Ma, boys in body bags coming home in pieces!); Waterfall, enormísima oda a la vida; Semaphore, balada triste de arrepentimiento tardío; Upside Down, otra melancólica canción sobre la distancia y la soledad del mundo moderno.

Este año se llena de regresos sorprendentes: R.E.M., Portishead, Supergrass, The B-52’s… el de James me parece, por ser el más feliz de todos, también el más valioso en este inche mundo de mierda.

Aquí, una edición explosiva con la canción que da título al disco:

A Place to Bury Strangers @ The Legion, Londres, 8 de mayo, 2008

2008-05-12T07:30:00.004-05:00

The Pity Party
Cheveu
A Place To Bury Strangers
The Legion, Old Street, London
Thursday 8 May, 2008

The Legion Bar is located in fashionably indie Old Street, East London. It's managed by the friendly guys of The Social, so it was by all means the best option to catch A Place to Bury Strangers. It was a small gig in an unpretentious place (in spite of its trendy location), and the door price was only 6 quid, so it was affordable (the price of a pint of Guinness was a dear 3.50, though).

My friend Ira and I got there early, possessed by a feeling of pre-gig excitement. When we got there we saw Oliver Ackerman hanging out outside the venue, enjoying the nice Summery weather that made of London a perpetual carnival. We were too shy to say hello so we got in. There were other five loyal fans inside, and The Pity Party, the army of two that would play first, were sound checking. So we decided to go out, clumsily and shyly talked to Oliver (we told him about our friends Horacio and Ginger, who had seen them in N.C.), talked about the weather, about the Sebadoh gig and about how much we were looking forward to seeing them. Embarrassed by my own social awkwardness, we went for a walk to Shoreditch and came back forty minutes or so later. The place was still half-empty, and I was starting to worry that there would not be enough people to fill the floor space. But soon all my fears would prove unfounded.

I've said before how difficult I find to express with words the experience of music. Nothing I can write here will ever describe with any accuracy what happened that Thursday night in East London. Let me just say that we witnessed three gigs in one, where three different bands proved that independent, innovative music is still being made and that music can still be a means to create communities.

The Pity Party are a duo from Los Angeles. Heisenfiel (drums/keys/vocals/amazing fiery red hair) and M (guitar/vocals/delicious distortion) made an awful lot of sexy noise, inverting the White Stripes formula and offering a very energetic set that left us wanting for more. Heisenfiel's voice and stage presence, her multitasking on stage, combined with M's multi-purpose guitar (that also sounds like a fat bass at moments) made us remember the days of Kill Rock Stars and the Olympia scene. Cheveu, on the other hand, are like an epileptic, drug-crazed French version of Mexican indie band Los Fancy Free, a mix of electro-disco-punk that redefined, with the vocalist's almost retarded stage persona, the term "retro". There was something profoundly mesmerizing about the neo-primitivism of the band, an instinctual aggression that reminded everyone in the place that punk is not dead, it has just moved to France.

Finally, A Place To Bury Strangers. The show, permanently staged against the abstract/fractal projections behind/on top of them (no smoke machine here), went in crescendo, from formless noisy shyness to absolute rock and roll chaos. The audience of all ages (mostly younger, indie fashion-conscious types) just stood there absorbing the sonic blast. There was, indeed, something deadly about all this. The key word here would be, in my book, experience, because A Place To Bury Strangers are not a mere band, they are not just three guys from Brooklyn making music. Their gig redefined the term performance. You could see it in the stillness of the crowd. Under the loudness, you could hear us breathing, our hearts beating. Because A Place to Bury Strangers play as if experiencing a death wish. You had to close your eyes, because, like Ira said, we don't have "earlids". From the cyber-melancholy of "Missing You" to the industrial terrorizing of "To Fix the Gash in Your Head", A Place to Bury Strangers are some sort of grind-cored, psyched-up, death-possessed Jesus and Mary Chain for the 21st century.. "Ocean" was a high moment, the tidal noise broke like waves on soft flesh and hardened hearts. Spector's wall of sound redefined, this tune has the epic proportions of a musical machinery designed to traverse frozen seas. Oliver's vocals became another instrument, and the waves of noise drowned us all. "Breathe" was incredibly appropriate, because the aural hammering was like erotic asphyxiation.

When we went backstage to greet the band (well, mainly Oliver), you could see their faces of sheer pleasure, maybe a similar, even if surely different, to the one they had given us.

I've been to several gigs in London, but I have to say that this small gig (maybe 150 people in the audience? I'm bad at numbers) by A Place to Bury Strangers was one of the best I've ever experienced. Like their song goes, I hope I can see them again.

A Place to Bury Strangers will be opening for Nine Inch Nails in their American tour.

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Photos, here.

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Missing You

DISCO NUEVO The Slip, Nine Inch Nails

2008-05-06T22:15:00.002-05:00

The Slip
Nine Inch Nails
no label, 2008
rock industrial

Slip es una de esas hermosas palabras comodines en inglés. Entre sus ambiguos significados quiere decir: escapar, moverse silenciosamente y con sigilo, dejar algo en libertad, además de ser un pequeño pedazo de papel o un documento.

Todas estas acepciones concuerdan a la perfección con el nuevo disco de NIne Inch Nails, The Slip, lanzado ayer de manera casi clandestina por Internet.

El disco es completamente gratis en todos sus formatos, y Reznor explica: “Gracias por el apoyo continuo y leal, éste va por mi cuenta”. Un regalo de liberación a sus fans.

Musicalmente, The Slip es cercano a Broken o a With Teeth, en cuanto es un veloz golpe sónico con pocas pretensiones y mucha actitud. De 10 canciones (3 de ellas instrumentales), hace un contraste perfecto con el reciente lanzamiento épico de Ghosts, y nos muestra a una banda preparándose para salir a una gira mundial en unos cuantos meses. Los shows que vienen serán entonces puro derroche de energía.

Rápidamente un desglose:

999,999
Introducción instrumental al estilo NIN. Una válvula de aire se entrecruza con la voz cortada de Trent: “How did I slip into…”, y el disco arranca:

1,000,000
Un track rockero con un coro para llenar estadios, atascado y poderoso. La producción, impecable. Un brillante segundo de silencio en medio de guitarrazos le da toda la onda.

Letting You
La canción anti-guerra del disco. Algunos dirían que ya chole con las canciones contra Bush, pero pues la guerra continua, ¿no? El ritmo recuerda a una época dorada del rock norteamericano: Bad Brains, Black Flag, Minor Threat. Esta canción no se anda con mamadas.

Discipline
El primer sencillo del disco, de tinte más personal. ¿A qué se refiere Trent con “I need your disciplne, I need your help, you know once I start I cannot help myself?”. Seguro a la manera imparable en que está trabajando y haciéndonos quedar en ridículo a los demás.

Echoplex
La mejor canción del disco a mi parecer, de una estructura muy extraña que va aumentando de velocidad y distorsión conforme avanza. Con un beat y bajo superpegajosos y no se diga del coro, una maravilla del pop.

Head Down
Una canción sobre la ceguera que provoca el odio. Otro coro estupendo y un puente superponedor.

Lights in the Sky
¡Una canción de amor! Hermosa melodía en el piano y una letra inaudita para Reznor. Un adecuado freno para llegar al último jalón del disco.

Corona Radiata y The Four Of Us Are Dying
Dos pistas instrumentales que funcionan como un intermedio/pasadizo hacia la última canción del disco. Ya en Ghosts quedó demostrada la habilidad para los ambientes sonoros de Reznor. Aquí expande un poco más sobre el tema, creando paisajes intrigantes para escuchar con muy buenos audífonos en la oscuridad.

Demon Seed
Misteriosa canción dividida en 6 pasajes o movimientos. Sin llegar a los 5 minutos, crea un cierre perfecto para un disco explosivo. Sin avisar, así como llegó el disco, se termina.

The Slip es un Halo más de excelencia por parte de Nine Inch Nails, un estupendo regalo a mitad del año y un teaser morboso para escaparse a verlos en esta próxima gira, fuck yeah!

5 CANCIONES 5 para besarte

2008-04-30T17:44:00.001-05:00

La neta neta, al chile al chile, besar es de poca madre. No se resistan, vayan y besen a sus amores; quien no tenga, pues vayan y besen a sus mamacitas, porque se lo merecen.

Playlist
1. Shut Up and Kiss Me - Pony Up!
2. Kiss Me On the Bus - The Replacements
3. I Bet If We Kissed - The Research
4. You and Me Both - Arthur Russell
5. Lips Like Sugar - Echo & The Bunnymen

Bájenlo directo aquí.

O visiten la página de Podomatic para suscribirse, comentar o simplemente para perder otros diez minutos en la oficina:

DISCO NUEVO Third, Portishead

2008-04-27T21:54:00.004-05:00

Third
Portishead
Island Records, 2008
género: trip hop, rock

Amar es un error fatal.

Yo amaba a Portishead por ahí de 1998, cuando sacaron su DVD del Roseland Ballroom. Esa estupenda grabación fue su única nota de despedida. Nos abandonaron y nuestros corazones murieron.

Acorde, eso es lo que Portishead siempre ha querido, rompernos el corazón.

Ahora regresan y no sé que hacer. ¿Despreciarlos o perdonarlos? El resultado es peor, sólo puedo amarlos.

Y es que Third es un disco brillante. Gibbons, Utley y Barrow han resucitado a la banda de manera milagrosa, sin ningún atisbo de oxidación. Sin volver a su sonido de tornamesa melancólica, se han envuelto en un mundo de percusiones extravagantes y guitarras acústicas (clara referencia al disco que Beth Gibbons grabara como solista).

Sobresalientes,: Silence, con su ritmo agresivo y su final de coito interrumpido; Hunter, de guitarras dulces y luego monumentales; Nylon Smile, un hechizo ritual de ritmos africanos; The Rip, una de las mejores canciones de la banda, in crescendo desde un arrullo hasta un loop imparable y maniático; We Carry On es otro cántico tribal, ahora con una batería tremenda; Machine Gun es la canción enojada, y tiene uno de los sintetizadores más perrones de la historia; Threads, que cierra el disco, lo hace con un saxofón que amenaza con comerse al blues entero con todo y Billie Holiday.

Beth Gibbons está en su mejor momento como letrista y vocalista, y sus compañeros han alcanzado un nivel genial como arreglistas. Se tomaron diez años para superarse y lo han hecho de sobremanera, opacando a todos los demás super-regresos del año. Sin necesidad de cambiar o demostrar algo, Portishead reapareció más hermoso, más rudo, más seductor...

Éste es, encabronadamente, uno de esos amores malditos.

5 CANCIONES 5 para convencerlo de ver a Metric

2008-04-14T01:06:00.002-05:00

Este 25 de Abril, Metric se presenta en el Salón Vive Cuervo de la Ciudad de México.

Si viven en el D.F. o están cerca, es su obligación, deber y salvación ver a esta banda establecida en Toronto. No sólo por Emily, su guapa vocalista, también porque son una de las mejores bandas del mundo.

Este episodio especial de 5 canciones está dedicado a convencer a todos de abarrotar el foro y darles la bienvenida que se merecen. Escuchen estas rolitas que seguro podrán disfrutar en vivo esa noche:

1. Hustle Rose
2. Poster of a Girl
3. Succexy
4. Handshakes
5. Combat baby

Bajen este episodio aquí.

Regálense un taco de ojo por acá:

Y visiten la página de 5 canciones para suscribirse:

¿Convencidos? Compren sus boletos para ver a Metric, ¡y paren de mamar!

5 CANCIONES 5 para decir adiós

2008-04-06T16:56:00.006-05:00

Algo terrible, con colmillos y garras, crece con el calor de la primavera. La sal del sudor entra en los espacios derretidos de los lazos entre nosotros, convirtiéndonos en extraños. Una mañana, sin avisar, has decidido ya no estar aquí. Esta entrega de 5 Canciones es un abrazo para todos los que, víctimas del calor abrumante, se han despedido de sus vidas compartidas.

1. Goodbye to Old Friends - Stuart S. Staples
2. Here's Where the Story Ends - The Sundays
3. A Minor Incident - Badly Drawn Boy
4. Communication - The Cardigans
5. Lost Cause - Beck

"It's not that I don't love you, or that I'm tired of your ways...
I want you to know that I'm always thinking of you
You know I'd take you with me wherever I go,
But I catch myself in the mirror and I remember
I got to do something about my life..."
Stuart S. Staples

Consíganlo directamente aquí.

DISCO NUEVO Accelerate, R.E.M.

2008-04-04T17:27:00.005-06:00

Accelerate
R.E.M.
Warner Bros. 2008
género: R.E.M.

Everybody here comes from somewhere.
R.E.M

Hace casi 28 años, un 5 de Abril, en la ciudad de Athens, GA, aparecía una banda: R.E.M. (esa noche aun tocaron bajo otro nombre ¨Twisted Kites¨). Hoy han pasado casi tres décadas, la separación de su baterista original (quien casi muere a medio concierto), alcanzar la fama de grupo de culto, haber hecho dos discos súper exitosos y llenos de calidad (Out of Time y Automatic for the people) y haber recorrido el camino que siempre quisieron.

Michel Stipe, Peter Buck y Mike Mills no cejan en trabajar, aunque habían estado medio perdidos tratando de reformular un sonido y una personalidad que se perdía en la presión comercial de cumplir el contrato mas nombrado de la historia, 80 millones de dólares por seis discos.

Hoy tenemos su disco numero 14. Vaya recorrido, muy difícil para un grupo no repetirse, no agotarse. Y este es un gran ejemplo de cómo no perder la personalidad en el intento.
Desde Accelerate, que me recuerda a su epóca oscura de Life's Rich Pageant, al sencillo muy pop de Supernatural Superserious y por la produción impecable de Jacknife Lee (Editors, Hives, Kasabian, Bloc Party, etc…) es un disco que vale la pena oír. Comprarlo es definitivo para los fans, más en la versión especial que viene acompañada del filme Six Days, un recuento de los ensayos de la gira que se llevaron a cabo en Dublín.

Gran sonido de guitarras, un elemento clave de la banda en todo este tiempo, un buen tracklist, letras llenas de imágenes muy al estilo Stipe, que cada vez sale mas del closet… escuchen el pre-coro del sencillo. Definitivo, los años de experiencia sirven de mucho. R.E.M. seguirá este año redefiniendo a una banda madura con posibilidades de hacer aun buena música. Todo mundo viene de algún lado y ellos tienen muy claro donde surgieron.

DISCO NUEVO Ghosts, Nine Inch Nails

2008-03-18T02:22:00.004-06:00

A meses de haber terminado su contrato con Universal Music, Nine Inch Nails sorprende al mundo con el lanzamiento de Ghosts, su obra más ambiciosa hasta ahora. A través del sitio nin.com puede obtenerse este material en cinco versiones: desde una descarga digital completamente gratis hasta la edición de ultra lujo de 300 dolares que incluye dos discos, viniles, un DVD con todos los temas en multitrack, y un libro autografiado por Trent Reznor.

Un material tan atípico como Ghosts no habría cabido en la agenda de una disquera internacional, por lo que la libertad del internet le cae de perlas al sobrio y renovado líder de la banda industrial.

Los temas instrumentales han sido una constante en la carrera de NIN. Desde Fixed (1992) podemos encontrarlas, madurando en los estupendos interludios de The Fragile (1999) y el disco perdido, Still (2002). Estas piezas también han tenido un lugar especial en los soundtracks en los que ha colaborado Reznor.

Ghosts es una obra abrumadora. De 36 cortes divididos en 4 secciones, su estructura recuerda a los trabajos seriados de Aphex Twin o a los movimientos de una obra clásica. Ninguno de los tracks tiene nombre como tal, sólo están numerados, lo cual debe permitir ordenar los archivos digitales fácilmente. Cada pista viene acompañada de una fotografía, primera pista para definir al trabajo de Ghosts como Paisajismo.

Puesto que esta obra rescinde de las palabras, la música es el único pincel para pintar los distintos cuadros mentales. Sin el peso de sus obsesiones, Reznor parece jugar a gusto, pasando por los momentos de piano más dulces (en varias ocasiones ha citado a Debussy, Mahler y Satie como grandes influencias), el minimalismo de Nyman y Glass, la musicalización dramática de Angelo Badalamenti, el ruidismo de Mogwai, Godspeed You Black Emperor! o Sunn O))), todo a través del típico mundo nainincheliano: guitarras distorsionadas, loops industriales, sonidos que sólo un genio desquiciado puede crear encerrado 10 semanas en su propio estudio.

A través de este tiempo, Reznor e invitados, –Adrian Belew, Alessandro Cortini y Brian Viglione (Dresden Dolls)– se dedicaron a madrear todo tipo de instrumentos para crear atmósferas sin ninguna pretensión mas que hacer música interesante. Y lo lograron.

Ghosts es una obra que se resiste a ser catalogada. ¿Es una sinfonía posmoderna, un disco de rock conceptual, un simple experimento? No lo sé, pero puedo describirla como una colección musical alejada del pop y sus reglas. Debe ser analizada con otros oídos, aplaudida por su nobleza y seguida de cerca (ya hay un proyecto de colaboración andando para crear los videos que acompañen a cada pista, chéquenlo).

No debe buscarse en este disco el ‘sencillo’ o el coro pegajoso. Las satisfacciones que lleva dentro sólo serán descubiertas por el escucha paciente que esté en la búsqueda de ser sorprendido y retado por un artista pleno.

The Jesus and Mary Chain @ Roundhouse, Londres, 12 de marzo, 2008

2008-03-13T05:23:00.000-06:00

Para Evelio, que se lo perdió

A ver si me explico.

Ayer ví a The Jesus and Mary Chain. En vivo. En pleno 2008. Ciudad de Londres, Inglaterra.

Todavía es invierno, y acaba de pasar una tormenta.

De las dos fechas programadas, hicieron una. Quizá no vendieron suficientes boletos. Pero el hecho es que hay casi tres mil personas en la legendaria, renovada Roundhouse de Chalk Farm. En la esquina, de camino del tube, hay un stencil de Banksy, el de la mucama escondiendo tras el muro el polvo urbano de la historia. La edad promedio del respetable es quizás 35, 40 años, pero eso con ayuda del par de chavitos de unos 8 años que han venido con su padre. Hay barbas y muchos lentes y canas, muchas canas. También calvas. También hay góticas delgadísimas y hermosas, new-wavers de la vieja y nueva guardia, crusty punks, gente normalsísima y fashion icons de la vida londinense. Las tres bandas que abren suenan, en orden, a los Melvins, a nada (bueno, a Supergrass perhaps) y a los mismos JAMC y BRMC pero de 17 años y con guitarras que les quedan grandes. Las puertas a las 7PM, Jesus and Mary Chain a las 9:30PM.

A ver si me explico.

The Jesus and Mary Chain es una de las bandas más importantes que Escocia ha dado al mundo. Quizá sólo de esos climas (it's grim up north) pudo haber salido un sonido así. En México, en general, si dices "los 80" la gente piensa en Timbiriche, y si bien te va en The Police o Michael Jackson. Yo pienso en The Jesus and Mary Chain, entre otras bandas. Cuando los escuché por primera vez, ya tarde, demasiado tarde, siguiendo las letras pequeñas del último disco de los Pixies que traía un cover de "Head On", yo no había escuchado nada igual. Después escucharía a My Bloody Valentine, Ride, los Pale Saints, His Name is Alive y otras bandas, pero en ese entonces, en mi terruño espaciotemporal mexicano, nada sonaba como The Jesus and Mary Chain. Era la precisión de la batería/caja de ritmos, el delicioso ruido de una distorsión bella y pensada, el amplificador y el feedback como acto estético, las letras y las vocales sexys/melancólicas/suicidas/blueseras/roadmovieras. La pura putísima melancolía sonora vuelta punk rock/rockabilly/surf oscuro y glamoroso.

Bueno, pues todos estos años después The Jesus and Mary Chain suenan exactamente igual. Sigo sordo. El volumen como statement: fue purísimo rock and roll, extático shoegazing metafísico, retrospectiva epifánica de nuestras vidas.

Y bueno, muchachos, ya no somos los mismos.

Y es que William Reid nació en 1958. Jim Reid en 1961. William Reid ha, por supuesto, envejecido, engordado. Usa un blazer gris y una playera de Superman. El cabello todavía una explosión new-wavera-goth de spray. Jim Reid es delgado, con el cabello corto, normalsísimo, también usa un blazer gris -o negro- y trae una playera blanca de los Ramones. Acompañados por un baterista impresionantemente preciso, otro guitarrista y un bajista, The Jesus and Mary Chain son una máquina del tiempo: "Automatic", por supuesto, viene a la mente (la tercera rola de su set fue, sin concesiones, "Head On"). Jim Reid sale al escenario y es recibido por un vaso de plástico volador que estalla en su pecho. Su reacción es de "WTF???". Rápido parece olvidar el incidente pero canta como quien no tiene remedio: no quiere estar ahí pero ya está ahí y ahora hace lo que mejor sabe hacer. Y entonces, ya estamos en el pasado.

William Reid es un genio: todo el feedback, el fuzz, el wah, los amplificadores Orange como instrumento, el desconectar y conectar las guitarras ahí mismo, el volumen altísimo, verdaderamente alto (no es sólo la vejez: JAMC hicieron del volumen un elemento más de su propuesta), los solos cristalinos, tristísimos, enamorados, poseídos por el blues de una metralla. Su corpulenta figura le hace parecer a Mitch Harris de Napalm Death, o a Leatherface en The Texas Chainsaw Massacre: de hecho es así como usa su guitarra, como sierra eléctrica cortando sin compasión la endurecida carne de nuestros corazones treintañeros.

William Reid y Jim Reid no se caen bien en el escenario. Al comenzar "Happy When It Rains" William entra fuera de tiempo, y Jim se emputa, mienta madres, comienzan de nuevo y aquello está que la cúpula del Roundhouse se quiere caer. Uno no se atreve a llorar porque ya ha pasado mucho tiempo, porque estamos en una exposición de museo, porque eso es lo que merecen los hermanos Reid, enmarcarse, encapsularse para siempre como los inventores de un sonido irrepetible. Siempre copiado pero jamás reproducido. Estuvimos, ayer, ante la historia, y comprobamos que el tiempo no perdona.

La cantante invitada que comparte vocales en "Just Like Honey" y "Sometimes Always" es incapaz de reproducir la belleza de una Hope Sandoval, pero ella hace lo que puede y pronto queda olvidada por la avalancha de distorsión, dulce violencia y melancolía británica que es JAMC. Una sucesión de éxitos, que automáticamente hace predecible que tras el encore interpretarán "Darklands". Hay violencia en el público, hay un ambiente enrarecido, de enojo rocanrolero reprimido, hay vasos voladores y empujones. También hay quienes bailan en un baile que sólo reconocemos quienes nacimos en los setenta. Fumar está, desde el verano pasado, prohibido, pero la gente fuma tabaco bajando la cabeza pero con cierto desdén, en lo que se vuelve, ahora, el gesto más anti-establishment que la juventud ya no tan joven se permite.

Terminan, una hora y media después, con "Reverence". La interpretación es impoluta: no puedo evitar sentir una injusta, cruel, cínica disociación cognitiva entre lo que escucho y lo que veo y entre lo que escucho y como me siento. La banda que escribió "April Skies" ante mí, unos días antes de que yo cumpla 33. Y así todos cantamos, al mismo tiempo extasiados y cansados, fascinados y desencantados:

I wanna die just like Jesus Christ
I wanna die on a bed of spikes
I wanna die come see paradise
I wanna die just like Jesus Christ

I wanna die just like JFK
I wanna die on a sunny day
I wanna die just like JFK
I wanna die in the USA

I wanna die
I wanna die
I wanna die
I wanna die

I wouldn't sell my soul but I'd hang for this
I gotta get my goal cause I'd hang for this

Esta es, quizá, la tragedia del rock and roll: nadie es joven por siempre. Una vez perdidos el glamour del martirio y del sacrificio, no queda más que la resignación de lo inevitable. Ni Jim ni William morirán en una cama de espinas. Hemos vendido nuestras almas y sólo queda la vida de todos los días. Todavía me duelen los oídos.

---
Olvidé, estúpidamente, la cámara, pero un alma caritativa compartió un par videítos del concierto de ayer, de los cuales el mejor está aquí. Refleja bien lo que me tocó vivir ayer, en el Roundhouse de Chalk Farm.

DISCO NUEVO ¡Lo Nuevo de Ataque!, El Robot Bajo el Agua

2008-03-01T15:27:00.007-06:00

¡Lo Nuevo de Ataque!
El Robot Bajo el Agua
Estamos Felices, 2007
género: Pop, electrónica minimalista

El Robot Bajo el Agua es la propuesta minimalista formada por Nicolás Kramer y Lucarda, ambos integrantes de la extinta banda argentina Jaime Sin Tierra.

Juntos han editado cuatro trabajos: Destrabando la Palanca y Óptica Espacial Desde el Corazón (2004), Sólo Resta Sumar (2006) y ¡Lo Nuevo de Ataque! (2007).

Todos estos son datos intrascendentes para explicar su más reciente trabajo. ¡Lo nuevo de Ataque! es un disco excepcional de lecturas eternamente florecientes.

Ocho ‘movimientos’ que viven y respiran bajo el latido de un mismo beat. Pequeños pasajes sonoros, cada uno con sus respectivos arreglos de guitarra, bajo, sampleos…

…Y la voz de Kramer, un lecho acogedor para las palabras que llegan como obreros agotados a descansar, dejando imágenes de mares tormentosos, volcanes caballeros y joyas solitarias.

De una estructura sólo aparentemente sencilla, este trabajo exalta las posibilidades del español como lengua lírica. La música, a su vez, es un experimento portentoso que evoca las obras más refinadas de Velvet Underground, Tindersticks o Debussy por igual. Cíclica y autoreferencial, se expande a través de 24 minutos y bajo ocho nombres que podrían salir sobrando, si uno no estuviera convencido (y hay que estarlo) de que ésta es una pieza donde cada elemento juega una parte estratégica, esencial e inamovible.

¡Lo Nuevo de Ataque! es una obra maestra de la música en español. Es tan bello e inusual, que queda la duda si en verdad no será la voz delirante de una nueva inteligencia artificial que habita en las profundidades del océano más sereno.

Haz click en la imagen para descargar el disco

5 CANCIONES 5 para recuperarte

2008-02-18T00:18:00.003-06:00

Su podcast de confianza regresa para enmendar corazones. En la entrega anterior, lágrimas de cocodrilo para las personas perdidas.

Esta vez, se alzan las súplicas para tenerlas de vuelta. 5 canciones para decirle a su peor-es-nada que regrese, y que pare de mamar.

Tracklist
1. Krafty - New Order
2. Back In Your Head - Tegan & Sara
3. I Summon You - Spoon
4. TV Movie - Pulp
5. If You Go Away - Ambulette

Bajenlo directo aquí.

O visiten la página en Podomatic:

Dos colaboradores le hacen al DJ

2008-02-08T01:42:00.001-06:00

5 CANCIONES 5 para dejarte

2008-02-01T01:58:00.001-06:00

Cambio de casa, cambio de imagen, el mismo concepto musical.

haz click en la imagen para ir a la página

Fue así que lo dejé todo
en busca de lo desconocido,
para conocerlo, y perderlo,
como todo lo he perdido.

Track list
1. So This is Goodbye - Junior Boys
2. Good Woman - Cat Power
3. Nothing Better - The Postal Service
4. Noah's Dove - 10,000 Maniacs
5. I Gave You - Bonnie 'Prince' Billy & Matt Wolf

Bájenlo directo aquí.

Unnecessary Noise: Música para cuando te resbalas en el hielo

2007-12-13T07:52:00.001-06:00

Click here to get your own player.

Frost at Midnight episode playlist

1.To Mr. Wyatt, Masha Qrella
2. Everybody Wants To Go To Heaven, Love & Rockets
3. Wish You Were Here, Pink Floyd
4. Sometimes It Hurts, Tindersticks
5. Crosses, Viking Moses
6. Jesus the Mexican Boy, Iron and Wine
7. Alphabet Town, Elliott Smith
8. These Dreams of You, Van Morrison
9. Across the Universe, Rufus Wainwright
10. There's a Light in Me That's Gone, Harper Lee
11. Mr. Tambourine Man, The Byrds
12. Winter Killing, Stina Nordenstam
13. No es tan cierto, Juana Molina
14. Autumn's Child, Devendra Banhart
15. The Weeping Song, Nick Cave and the Bad Seeds

5 CANCIONES 5 para enamorarte

2007-11-29T00:37:00.000-06:00

Have you ever been in love? Horrible, isn't it?
It makes you so vulnerable. It opens your chest and it opens your heart and it means someone can get inside you and mess you up. You build up all these defenses. You build up this whole armor, for years, so nothing can hurt you, then one stupid person, no different from any other stupid person, wanders into your stupid life... You give them a piece of you. They don't ask for it. They do something dumb one day like kiss you, or smile at you, and your life isn't your own anymore. Love takes hostages. It gets inside you. It eats you out and leaves you crying in the darkness, so a simple phrase like "Maybe we should just be friends" or "How perceptive" turns into a glass splinter working its way into your heart.

It hurts. Not just in the imagination. Not just in the mind. It's a soul-hurt, a body-hurt, a real gets-inside-you-and-rips-you-apart pain. Nothing should be able to do that. Especially not love.

The Sandman.

- Whatever happens in the end, I don't wanna lose you as my friend.
- I promise, I will never be your friend. No matter what. Ever.

The Darjeeling Limited.

1. I want you - Moloko
2. Christiansands - Tricky
3. Pagan Poetry - Bjork
4. Something About Us - Daft Punk
5. Undenied - Portishead

RESEÑA The Police @ Foro Sol, 24 de noviembre, 2007

2007-11-25T16:26:00.000-06:00

Hay reencuentros felices y hay reencuentros tristes, algunos son exitosos y otros una bomba cebada de emoción.

La reunión de The Police parece ser una de las últimas, y la noche de ayer vinieron a demostrar, con años de intereses, que lo suyo terminó por una buena razón y que nunca debieron haber puesto pie en escenario juntos de nuevo.

Lo que antaño fue una explosión de juventud y que lentamente se fue apagando con la incursión de Sting en huevadas de las que construyó su tumba, de eso no vimos nada ayer. Los clásicos obligados: Message in a Bottle, Don't Stand So Cose to Me, Roxanne, Can't Stand Losing You, Every Breath You Take, Every Little Thing She Does Is Magic (particularmente terrible) todos estuvieron presentes, pero como un abuelo senil de mirada pérdida en el vacío. El público asistente fue prueba de ello, la mayoría sentados, inmóviles. Sólo durante Do Do Do Do De Da Da Da se sintió un poco de interacción (con el viejo y bajísimo truco de repetir el corito ad nauseam).

A diferencia de Stewart Copeland, Sting y Andy Sumners no dieron una: oxidados, valemadristas, sin ritmo ni cadencia. Sumners, antes un maravilloso guitarrista, ahora fraseaba sus riffs como anestesiado después de ir al dentista. Sting, ni hablar, poca voz, poco bajo, poco espíritu.

Vinieron los tres policías a cumplir una fecha, a sacarnos un poco de lana a precio de melancolía. Mejor hubiera sido quedarnos con la imagen de esos jovenzuelos rapaces que peleaban a golpes en entrevistas. Al menos entonces se les notaba un poco de alma en sus cuerpos.

DISCO NUEVO The Inevitable Rise and Liberation of Niggy Tardust, Saul WIlliams

2007-11-15T17:48:00.000-06:00

A un mes de que Radiohead lanzara In Rainbows independientemente, llega Saul Williams con The Inevitable Rise and Liberation of Niggy Tardust , producción extremadamente compleja que es mejor analizar por partes.

NIGGY TARDUST

El alter-ego del rapero neoyorquino Saul Williams, uno de los exponentes más interesantes del rap en la actualidad por su formación como actor y poeta. Su trabajo ha sido reconocido por gente como Zack de la Rocha, Trent Reznor, y el legendario Rick Rubin.

Williams fue quien apoyó a Nine Inch Nails durante sus últimas giras, y en ese periodo grabaron este disco.

EL PADRINO

Trent Reznor es respetado no sólo por su propia banda, sino también por su constante colaboración en otros proyectos. Ahora sabemos por qué sus discos suenan cada vez más a NWA que a NIN. Producción minuciosa, sonido industrial, piano clásico... la aportación es inmensa, y la música sobre la cual florece la voz de Williams constantemente impresiona.

Hace unas semanas, Reznor daba la patada inauguratoria en nin.com:

“Hay similitudes obvias con el lanzamiento de Radiohead y la forma en que hemos decidido hacerlo nosotros. Después de pensarlo seriamente, creo que hemos mejorado la idea en algunas maneras profundas.”

LA BOMBA

¿Cómo iba Reznor a madrearle el trasero a esas malvadas corporaciones y hacer palidecer al In Rainbows al mismo tiempo?

Haciéndote simple la decisión: 5 dolares o nada, ¿de a cómo lo quiere? El de 5 viene sin compresión y ambos vienen con arte y letras del disco.

¡Ah, cabrón, sí es cierto! ¿Los discos solían tener (o ser) arte, verdad?

EL ARTE

Unos brasileños se acercaron con Williams y Reznor y les dijeron: paren de mamar. Y el disco efectivamente está de no mames. Perrón, salvaje, lleno de influencias. De entrada, el título de Bowie; luego, el cover a Sunday Bloody Sunday (que seguro hizo a Bono cagar el diamante que llevaba años formándose en su culo); y los homenajes a todos sus antecesores: NWA, Cypress Hill, Marylin Manson, Massive Attack, Tricky, The Roots y hasta TV on the Radio.

La voz de Williams es camaleónica, del rap más chemo al soul. En este momento hay pocos raperos que aún experimenten con el aspecto de la poesía como elemento musical y generador de ritmo, y sus letras son un mantra generando estados mentales alterados. Una escuchada atenta puede producir peligrosa clavadez.

Porque, sobretodo, Niggy Tardust es excepcional por sus ideas. La historia del artista esclavo de la industria y el hombre esclavo de Dios, la libertad, la trascendencia. Esto no son las historias de un pendejito regresando películas al Blockbuster, chupando, apostando y perdiendo novias por… pendejito, sino la voz de un artista importante diciendo cosas que importan, cosas que tal vez podrían cambiar tu vida y no hacerla parecer un anuncio de Antillano.

The Rise and Liberation of Niggy Tardust es un disco valioso, por el que sí podrías pagar más de 5 dolares. Pero si no quieres, Saul Williams te lo regala personalmente, generosísimo. Y es que él ya se levantó y anduvo, y luego se voló.

Bajen el disco en niggytardust.com

DISCO NUEVONot Sokute, Soko

2007-11-13T00:40:00.000-06:00

Not Sokute
Soko
Sokodisc, 2007
Pop, folk

Hay discos tan sencillos, tan naturales, que atrapan a primera oída. El EP inaugural de esta chica parisina es uno de ellos y es un respiro hermoso de fragancias juveniles. Cinco canciones (como si la chica escuchara uno de los podcasts de este blog) lindísimas, traviesas y coquetas que recorren ya el mundo a través de una descarga gratis.

Cuando los jóvenes del mundo se visten de calaveras y mallas de rayitas, Soko se pone un suéter y unas pantuflas de osito. En su simpleza logra capturar tanto su edad como su honestidad, ofreciéndonos un pedacito de la vida de una chica común y corriente, haciéndonos desear ser ella por un momento ("Obviously, doctor, you've never been a thirteen year old girl").

Qué sencillo es mover las fibras del mundo cuando se canta con alegría, cuando se expresa algo sincero. Soko lo logra en 22 minutos tan disfrutables como un primer beso.

--- o ---

Vean el video:

Bajen las rolas.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Wings of Joy, de Cranes

2007-11-11T18:33:00.000-06:00

Wing of Joy
Cranes
Cherry Red
2007
Reedición

En 1991 hubo diferentes tipos de oscuridad musical. Los discos que atisbaron esos matices oscuros fueron varios, todos ellos esenciales: Recurring, de Spacemen 3, Shotgun Wedding, de Lydia Lunch y Roland Howard, Closed Windows, de Disco Inferno, Love’s Secret Domain, de Coil (según ellos un homenaje a Foucault, pero es todo un tesoro descubrir en este disco su particular versión del poema de Blake, The Sick Rose); The Maria Dimension, de The Legendary Pink Dots, el esplendoroso y perfecto White Light From the Mouth of Infinity de Swans (y si no lo han escuchado, pues...) y, a veces, el Queer de Wolfgang Press. En esa camada destacó Wings of Joy de Cranes (los amantes de música en estos lares, que apenas se quedan en el anecdotario, saben de ellos sólo porque fueron los teloneros de The Cure en Monterrey, pero ignoran que el maestro John Peel sucumbió ante la voz de Alison Shaw y que un agudo periodista del extinto Melody Maker describió el disco de Cranes como “las lágrimas más amargas de 1991.”) Quince años después Wings of Joy ve la luz nuevamente en una reedición exacta que recuerda el mes de septiembre de 1991, cuando la voz de Alison Shaw sorprendia por su alcances tan disonantes en un disco entero (los eps que lo antecedieron no daban una idea cabal de lo que denominó otro crítico del Melody Maker como un: "Scott Walker/Euro-cabaret grandeur" …y escucharlo muchos años después es darse cuenta que conserva una belleza austera y doliente: un requiem lacónico que aún sorprende por el alcance de un piano/cuerdas y con el obsedente falsetto de Alison Shaw que narra torturas interiores; acezantes arreglos de cuerdas que escarban en las muecas sonoras del abandono: porque eso es Wings of Joy. El opening track, Watersong, desnuda el tono de soledad en unas líneas apenas audibles:

this love is in my heart
it's like rain
falling in my arms

El hermoso piano de la canción Tomorrow's Tears aún cobija los recónditos caminos de la agonía amorosa que duele. Hay que escuchar con asombro Starblood y saber que Cranes estaban, en ese disco, a tres pasos adelante de su generación, porque esas amables distorsiones vienen de la escuela de Skinny Puppy y no de My Bloody Valentine; letras que retratan una náusea amorosa:

My wound is deep and may never be mended
you never received the love that I sent
I'll kiss you with my starblood

Como bien lo definió The Stud Brothers en el Melody Maker en 1991, en este disco el ruido es sinónimo de náusea (y no a la Sartre: o sea la soledad no lastima sino corroe.) Quince años después este disco es un compendio de interiores desgarrados o unas tinieblas recónditas que distorsionan un claustro mortecino y que finalmente se revelan en toda su plenitud con los siete bonus tracks, antes sólo asequibles en limitadas ediciones inglesas. Todo un hallazgo.

Tomorrow's Tears

Starblood

Manifest 2007, lineup actualizado

2007-10-27T15:41:00.000-05:00

Y entonces todos nos enojamos mucho.

Sonofilia 2007

2007-10-24T02:10:00.000-05:00

No zoofilia, Sonofilia, así se llama el festival que se llevará a cabo en cierta Barranca de Huentintan, Jalisco (que no es lo mismo que Guadalajara) y donde estará nada más y nada menos que Björk, todo esto ya confirmado según dicen diversas fuentes que he leído y varios tapatíos a quienes les he preguntado como si se tratara de una encuesta, lo siento, esta chilanga es algo incrédula.

El 8 de diciembre en la mencionada Barranca se presentarán Björk, Jay-Jay Johanson, Claude Vonstroke, Ratatat y MSTRKRFT, ¿qué tal? creo que sí le están echando ganas a este festival y si todo sale bien podremos empezar la velada tranquila con Björk y terminar bailando hasta desmayarse, y eso de comenzar el show temprano es en serio, porque así lo dice el site de donde saqué la última actualización:

La presentación de la islandesa deberá comenzar cuando el sol se esté ocultando y la noche apenas comience, como ese día oscurecerá alrededor de las 20:30 horas, Björk saldrá al escenario cerca de las 21:00 horas, de acuerdo a lo que comentó Ana Ramos, de la empresa Argus, encargada de la programación y el booking de Sonofilia 07.

Ustedes disculparán el robar párrafos completos de noticias, pero la información anda escasa y nada es 100% seguro aún, aunque en los sites de algunos participantes ya está confirmada la fecha, como es el caso de Björk, Ratatat y Jay-Jay Johanson, ahora sólo falta esperar a ver si se une alguien más al festival para terminar de convencernos de lanzarnos a Jalisco para terminar bien el año musical, yo ya lo estoy pensando seriamente y amenazo con regresar a dicho estado como por ochentava vez en el último par de años.

De lo que no hay información es de cuánto costarán los boletos ni quién los venderá -o sea, ya sabemos a qué hora saldrá a cantar Björk pero no sabemos qué tanto sangrarán nuestros bolsillos, pero ustedes tranquilos que así funciona esto-, sólo se sabe que Ticketmaster NO será el elegido para eso (gracias a Dios). Según mis cálculos serán caros, sí, bastante y a eso súmenle el viaje a Jalisco más la estancia, comida y bebida para la noche, el dinero para el vasito tequilero de souvenir o el llavero de centenario con la cara de Jay-Jay Johanson grabada y todas las cosas necesarias para pasar la noche en un barranco, así que hay que empezar a ahorrar pero ¡ya!, ¿quién se apunta al road trip? anden, vamos, hay que aprovechar que ya están llegando eventos de este tipo y calibre a nuestro humilde país.

Still de "Hyperballad", no tiene mucho que ver pero es re-bonito ese video, ¿apoco no?

Buenos dias, frio

2007-10-22T09:32:00.000-05:00

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Un set de música pop otoñal, totalmente gratis, con cariño para los que tengan oídos para escuchar.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Xmmer, de His Name is Alive

2007-10-08T12:43:00.000-05:00

Xmmer
His Name is Alive
Reincarnate Music
2007

...musicalmente, el final del año apunta al esplendor:

Los melancólicos entremeses están de vuelta...

En la década de los noventa His Name is Alive ofreció tres obras maestras del golpe (Livonia,1990, Home Is in Your Head, 1991 y Mouth by Mouth, 1993) todas bajo el sello 4AD. La banda naciente de Michigan aparentaban inocencia, pero la verdad sea dicha, el genio de Warren Defever tenía ya historia (colaborador esencial de esa banda de Michigan llamada Elvis Hitler) antes de conocer a su cómplice esa etapa inicial: Karin Oliver.

La salida de Karin Oliver (1998) marcó la ruptura de un sonido y la necesidad de una continuidad que no lastimara el concepto de HNIA. Y desde hace una década, Warren Defever se ha perdido en vericuetos imposibles de entender (baste recordar el insufrible EP, Nice Day, para darse cuenta de que el camino de la melancolía estaba perdido), pero también ha explorado felizmente en una electrónica inteligente que le ha dado frutos. Han sido sus últimos cinco discos que han mostrado una constante en la búsqueda de un sonido que puede definirse ya como un espectro de melancolía y armonía. Ya no es necesario llenarse de recuerdos de los sonidos de sus obras maestras de la década pasada. HNIA ha alcanzado la madurez que ha sido aquilatada hasta por el maestro Bowie, por si hubiera necios que desconfíen de la limpidez del sonido de esta banda esencial, ahí esta una justificación para acercarse e inflingirle a la memoria un sonido que deliberadamente envuelve la caída de la noche.

Treinta y ocho minutos inmersos en la erosión de nuestros días. Si el nuevo de disco de Low (Guns & Drums) abre con una dolorosa canción que condena todo futuro, la nueva obra de HNIA abre con Young Blood: un hermoso inicio con arreglos de cuerdas que parecen anunciar la belleza, pero sucede todo lo contrario. Porque la voz de Francesca Morici anuncia el desconcierto:

the fire is coming for us here
you chased us through the house
bless this day and
guide us back
pray your prayer
don’t look in back
who is it your shooting at
if the bones weren’t broken yet
you wouldn’t feel too much pain
shots in the air
ring in your ear
tears in the skin
you’re broken in
who is it your shooting at
your heart doesn’t hold enough
to keep yourself alive
comes out through
your filled with holes
when seen from above
covers the ground
rivers run red your blood
who is it your shooting at
come to me
you will come to me

La canción dos, Go to Hell Mountain es el compedio de cualquier plan ridículo para escapar a un destino inapelable. la canción tres, (The Wolf put his mouth on me) es el privilegio del olvido. Un hermoso disco/desahogo donde encontrarás los acordes más cálidos, sencillos y plenos del 2007. Las naufragios emocionales salvan de manera extraña.

video de Come to me, última canción de este disco:

******************************

en su sitio de internet se puede bajar, sin costo alguno y por tiempo limitado, su nuevo EP, Silver Make Up

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: White Chalk, P. J. Harvey

2007-10-01T22:29:00.000-05:00

P. J. Harvey
White Chalk
Island
2007

...algunos han escrito que el nuevo disco de Polly es el canto de una sirena. No lo creo. Creo que es el canto agonizante de The Lady of Shalott...

Esta reseña debe empezar por un lugar común: no tengo palabras para describirlo. Este disco es lo mejor del año. Sin vuelta de hoja. En ningun disco del 2007 encontrarás once lamentos de debilidad emocional. Once depuradas formas del dolor y del abandono. Once temores, fracasos vitales, soledades, ocasos sin compañía alguna. Cuando Polly canta

Dear darkness
Dear darkness
Won't you cover, cover me again

Dear darkness
Dear
I've been your friend for many years

Won't you do this for me?
Dearest darkness
And cover me from the sun under the
Words typing
The words are tighening around my throat and,

Around the throat of the one I love
The timing, the typing, the tightening
Around the throat of the one I love
The timing, the typing, the tightening

Dear Darkness
Dear Darkness
Now it's your time to look after us
Cos we've kept your clothes
We kept your business
when everyone else was having good luck

So now it's your time
Time to pay
To pay me and the one I love
With the wordly goods you've stashed away
With all the things you took from us

¿Acaso no es un himno a la noche que todos llevamos dentro? Un piano que alcanza armonias limpias y que gravita en la voz de Polly para desnudar cualquier miedo simulado que nos obliga a sobrevivir. El séptimo disco de Harvey es un prodigio de marchas fúnebres que se sostienen por su voz, siempre lastimeramente sabia, y por el piano creando atmósferas quebradizas, agónicas.
Once tinieblas listas para ahogarte. Once fantasmas con sus respectivos epitafios. Esencial.

...aquí se pueden escuchar cinco canciones de esta belleza...

UNNECESSARY NOISE:PLACERES SENCILLOS Canciones para quedarse en casa un sabado por la noche

2007-09-30T05:00:00.000-05:00

De las cajas de sencillos de su servilleta, con cariño para tod@s ustedes.

Playlist:

1. The White Stripes: You Don't Know What Love Is (You Just Do As You're Told) (Acoustic Version), 2007
2. Amy Macdonald: What is Love, 2007
3. Damien Rice: Elephant (Live at Misseloorel Studios, Holland), 2007
4. Emma Pollock: Adrenaline, 2007
5. Morrissey: The Youngest Was the Most Loved, 2006
6. Manic Street Preachers: Autmnsong, 2007
7. Suede: So Young, 1993
8. Smashing Pumpkins: Death From Above, 2007
9. Voxtrot: New Love, 2007
10. Mumm-Ra: Out of the Question (Live from the NME Indie Rock Tour), 2007
11. Cherry Ghost: People Help The People, 2007
12. Ian Brown: Keep What Ya Got (BBC Lounge Session Feat. Noel Gallagher), 2007
13. The Psychedelic Furs: Torch, 1998
14. R.E.M.: The One I Love, 1988

El ruido innecesario es debido a que son disquitos de vinil y mis tornas son las más pequeñas que existen ;) Últimamente he reducido la duración de los episodios para que quepan en un CD de audio o para que dure más o menos lo que un viaje promedio en medio del tráfico... Si alguien allá afuera está recibiendo esta señal, se agradecerá el feedback. No man is an island...

5 CANCIONES5 para desvelarse

2007-09-28T00:58:00.000-05:00

"Me despertó el silencio de la madrugada. Como un rumor de pesadilla llegó hasta mí, sin anunciarse. Era apenas un punto, un agujero negro reciclando los ojos en la oscuridad. Vi ventanas abiertas, y paisajes con nubes. Muchedumbres sin rostro simulaban latidos. Supe que al fin la noche no se iría y aprendí de su presencia el valor de estar solo y tener miedo."
Jenaro Talens.

1. Dawn Planes - Lucid 3
2. Goodnight Moon - Shivaree
3. Where Are you Tonight - Cowboy Junkies
4. Good Morning Heartache - Billie Holiday
5. Pulse - Ani Difranco

Bájalo Aquí.

RESEÑA Fischerspooner @ Mansión Club, DF, 20 de septiembre, 2007

2007-09-21T18:24:00.000-05:00

Pocas cosas que decir de este evento:

Pésima organización. Una cola enorme para entrar, con una obra negra como bello escenario. Horario incumplido y retraso de todo el show.

Información errónea e incompleta. Unos días antes del evento, cambiaron el show de Fischerspooner por un simple DJ set. ¿Cuántas personas no hubieran comprado boleto de haber sabido esto?

Carísimo, para lo que fue. Yo creía que Indie Rocks!, los organizadores, eran banda. Sin embargo, les parece normal cobrar 35 pesos por una Budweiser tibia o una botella de agua miniatura, y 75 por un trago 'internacional'. ¡Qué indie-centes!

Casi cuatro horas despúes de la hora (programada) de inicio, seguía tocando un b-boy con un espantoso gusto musical y un fetiche inconcebible por el techno basura de los noventa. Su set fue eterno, sentó a todo mundo y hasta le chiflaban para que se bajara. Pero necio, siguió mezclando. Niños: no mezclen, hace daño.

Sólo escuché un rato el siguiente set. Tal vez era Guns n' Bombs. Tal vez no. Quién sabe.

A las 3 y media de la madrugada y después de tantas desilusiones mandé a Fischerspooner al carajo, como antes lo hicieron los organizadores con este evento tan pedorro.

EMMA POLLOCK, The Social, Londres, 11 de Septiembre 2007

2007-09-12T11:09:00.000-05:00

Los fans de The Delgados recordarán la hermosa voz que nos hundió en delicada melancolía con canciones como "The City Consumes Us" y "Keep on Breathing"... La noche del martes, en una ocasión que se antoja única, Emma Pollock presentó su nuevo disco solista para el sello 4AD, Watch the Fireworks, en el otrora legendario The Social, pequeño bar famoso por las sesiones de la disquera Heavenly, que inmortalizaran los Chemical Brothers, Beth Orton, Monkey Mafia y otras luminarias de la intelligentsia indie británica noventera. Este antro sobrevive en pleno centro londinense construyéndose una reputación de fuerte ética independiente.

Antes que la Pollock escuchamos al dúo manchesteriano Magic Arm (de quienes conseguimos su bellísimo EP en vinil de 10", Outdoor Games), una hermosa folktronica a partir de guitarra acústica, harmónica y electronics, donde la percusión machacante y lenta nos refirió a los paisajes del Postal Service o The Notwist, pero con sonoridades incluso más marcadamente trailerparkfolkescas, por llamarlas de algún modo... "People Need Order" y "I Want You, You Want Me" sonaron demoledoras, preparando el terreno para la llegada de la Pollock.

Magic Arm

Emma Pollock es pequeñita pero su voz es delicadamente enorme. Su personalidad en el escenario es fuerte pero bella; su voz es fácilmente insertable en toda una tradición de divas indies, y sin embargo goza de un carácter reconocible que la hace no perderse en el mar infinito de voces femeninas indiepoperas. Si bien los sencillos "Adrenaline" y "Acid Test" son cortes bastante asimilables por el mainstream, la presentación en vivo de su nuevo álbum nos remite a la tristeza inclemente de una joven Lisa Germano o una desgarrada Aimee Mann (de hecho, el cover de "I've Had It" sonó como nuevo, sacándonos la lagrimita rebelde que luego luego revela quiénes somos). Al no estar a la sombra de una banda -como en The Delgados- bajo, teclados y batería que la acompañan devienen humildes guardaespaldas rítmicos de las deliciosas guitarras acústicas y eléctricas de esta mujer de extraña belleza que ha elegido la guitarra y las cuerdas vocales como expresión del desencanto amoroso de nuestros tiempos.

Emma Pollock y su banda

Para los fans de Lisa Germano, Kristin Hersh, Joanna Newsom, Aimee Mann, Kathryn Williams et al, así como para los obsesos de la 4AD, la Pollock es una referencia infaltable. El que ayer nos haya regalado (literalmente) una noche con todo su talento, la profunda melancolía de un ocre y frío cielo galsgowiano transformada en voz, se antoja como un milagro, por lo que, mínimo, damos gracias a la vida.

El sitio oficial de Emma Pollock es este.
Su MySpace está acá.

"Adrenaline"

"Acid Test"

UNNECESSARY NOISE: September Sounds, part II

2007-09-06T19:42:00.000-05:00

Unnecessary Noise: September Sounds, part I

2007-09-04T08:26:00.000-05:00

Explosions in the Sky, La Victoria, Ciudad de México, 1 de septiembre 2007

2007-09-02T21:53:00.000-05:00

La belleza tiende a quedarse prendida en un despertar, en la mirada que se recoge en un sólo respiro o simplemente en la transformación de las notas musicales que iluminan nuestros cuerpos minúsculos...

....la Victoria, un lugar que se encuentra en la esquina de Jalapa y Coahuila, y en donde yo nunca había estado, midió la duración de la noche de ayer con una insondable respiración musical. La Victoria se encuentra frente a una iglesia cristiana que anuncia que Cristo es la salvación: un anuncio de luz neón que no se cansa de brillar durante la madrugada, y como si la salvación del alma fuera un producto que se pueda encontrar en cualquier esquina. O tal vez sí. Pero antes de entrar a escuchar Explosions in The Sky me dí cuenta de un tono de orfandad que había entre ese anuncio y la fila que esperaba su turno para entrar en busca un cobijo breve y eso es la música: un breve torrente de exactitud que nadie podrá sacarte del alma.

Porque el cuarteto de Texas (Munaf Rayani/Mark Smith/Michael James/Chris Hrasky, una batería de continuidad pura, la verdad sea dicha) se paró en el escenario para descargar su ejecución soberbia de claridades para aprisionarnos en un mundo donde no había necesidad de medir el tiempo. Porque durante un poco más de una hora, en un lugar pequeño y sofocante de la colonia Roma, ocurrió un abismo musical que no regresará pero que, por gracia de la memoria, se convertirá en un fragmento de vacío luminoso y de belleza.

Catastrophe and The Cure: Porque antes de la primera nota de Explosions in the Sky hubo una sugerencia: " Por favor, cierren los ojos y vamos a viajar a las estrellas." Y en ese momento nos dimos cuenta que el concierto iba a ser un viaje ¿Adónde? A la revelación ensordecedora de la mesura. Porque en un rincón de la ciudad de México cientos de personas tuvieron la oportunidad de empezar un viaje donde no hubo un segundo de silencio (de pronto con las consabidas fallas de sonido). Porque Explosions in the Sky no tocó: le dio forma a la estridencia del arrebato. Porque tocar música tiene que ver con delirio, con salirse del camino. ¿Es posible la salvación del alma a través de unas notas musicales? Después del anuncio del viaje a las estrellas a oscuras, algo se insinúa en los primeros acordes: una especie de balbuceo que inicia el camino de la libertad impensable de la guitarra: porque puedes fijar la mirada en la luz que cae y que se propaga en los cuellos sudorosos (abro los ojos y durante unos segundos veo a una hermosa mujer que no sacude el cuello: lo mece; veo que en sus párpados brota una plenitud); vuelve a nacer el vínculo de una nota de guitarra y algún acorde que resplandece te atrapa y de pronto todo es cántico, todo es un grupo de centenares de cuellos que sondean las notas de la guitarra de Mark Smith y es obvio que ese simple movimiento de cuellos es un pulso que admite otra duración. Porque en la ejecución de The Birth And Death Of The Day hubo un respiro que fue raptado/encauzado/devorado/transformado. Porque en Welcome, Ghosts la quietud se convirtió en una queja monosilábica que nos hizo recordar que también vale la pena perderse en la claridad.

The Birth And Death Of The Day: ...justo a la mitad de It's Natural To Be Afraid: "Así deben ser las explosiones en el cielo", she said. Las metáforas crean sus propias metáforas.

NOTICIA Björk en México

2007-08-30T13:02:00.000-05:00

Desde ayer leí el rumor en myspace y ondas por el estilo que Björk viene a México, Guadalajara por ahora, ya que en un site "oficial" está anunciada la fecha para diciembre.

No he escuchado rumores de fechas para el D.F. (ha-ha! diría Nelson).

Y hoy veo un correo que mandó Beto, un amigo de Guadalajara, diciendo que:

"fuentes dentro del Auditorio Metropolitano confirman que hay negociaciones y están avanzadas, de ser cierto... nos vemos en primera fila..."

Hasta este día sólo está en calidad de chisme esta información, pero chequen este site, al final de la lista de fechas http://www.bjork.fr/-Concerts-.html que es de donde salió todo este desmadrito.

Estaría buenísimo que por fin pudiéramos ver a Björk en territorio nacional, aunque conseguir las entradas sería un tanto cuanto demasiado difícil, peor que hacer la fila para el pasaporte, y tendría que ser más de una fecha para que todos alcanzáramos a ir y en un lugar grande y donde se escuchara de poca madre, lugar que creo aún no existe en el Distrito Federal, a ver si para diciembre ya construyeron uno nuevo (otra vez: ha-ha!).

Y usted, ¿qué opina?

UNNECESSARY NOISE: Placeres Sencillos Do You Remember Rock n'Roll Radio?

2007-08-30T06:15:00.000-05:00

Del vinil al mp3... it's only rock and roll but I like it...

Click here to get your own player.

UNNECESSARY NOISE: Placeres Sencillos Songs to Lay and Love

2007-08-28T01:58:00.001-05:00

Música para el empiernamiento...

UNNECESSARY NOISE: Placeres Sencillos ¿Te acuerdas cuando eramos amigos?

2007-08-21T06:42:00.000-05:00

Del vinil al mp3:

Santo llamando a lunave... santo llamando a lunave... ¡responda lunave!

5 CANCIONES, 5 para hacerte sentir mejor

2007-08-20T01:12:00.000-05:00

No llores, sonríe. Te queremos.

1. This is to Mother You - Sinéad O'Connor
2. (Nice Dream) - Radiohead
3. We Walk The Same Line - Everything But the Girl
4. If You Fall - Azure Ray
5. Why Not Smile - R.E.M.

Bájenlo aquí.

UNNECESSARY NOISE: Canciones para volver a casa

2007-08-16T14:30:00.000-05:00

Grabado en la ciudad de México, subido a la red desde la ciudad de Londres.

Del vinil al mp3. Ojalá lo disfruten.

RESEÑA Misfits @ Hard Rock Live, 6 de agosto, 2007

2007-08-08T02:06:00.000-05:00

Tres cosas me parecen tristes de este show:

1) Primero que nada, me parece patético que hombres de esta edad sigan tocando este sinsentido.

2) Me entristece ver a tanto metaleros incomprendidos: no es que sean malvados, es que son sordos.

3) Que la música no sea un festejo de la vida, sino un deseo de muerte, es trágico.

Que pena.

Unnecessary Noise: Placeres Sencillos II

2007-08-07T17:23:00.000-05:00

Ahora transmitiendo desde México DF, del vinil al mp3:

DISCO NUEVO Fontana Bella, Austin TV

2007-08-05T02:34:00.000-05:00

Fontana Bella
Austin TV
2007, Terrícolas Imbéciles
Género: indie, alternativo, instrumental

Austin TV hace una vez más lo único que sabe hacer: indie experimental, pero esta vez con mucho más producción que los discos anteriores y mayor difusión y distribución de esta grabación. Lo que no cambia son las canciones, es básicamente lo mismo, instrumentales con diálogos reales y sampleos pero esta vez todo el disco tiene la temática de ser el soundtrack del diario del personaje ficticio Mario Lupo.

Al principio suena como buena idea esto de vender una historia musicalizada pero por momentos parece que venden más la historia de este personaje, que viene incluida en un librito (o librote mas bien, a mi parecer son demasiadas páginas, demasiada información de relleno de esta historia fantástica) dentro del disco, que la música misma. Musicalmente no hay ningún cambio, tal vez un poco más de violines, calma y silencios pero sólo eso.

Parece que escucharon demasiado Speaking for trees de Cat Power, pero sólo lograron hacer un intento muy simple de ese gran disco.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Rykestrasse 68 de Hanne Hukkelberg

2007-07-27T16:28:00.000-05:00

Rykestrasse 68
Hanne Hukkelberg
Nettwerk
2007

El álbum début de Hanne Hukkelberg (Little Things, 2005) fue un tímido y sorprendente hallazgo de una sensibilidad joven. Dos años después esta joven noruega entrega su segundo disco: una suerte de variedad de sonidos sacados de las calles de Berlin con sus preciosos tintes agridulces que se esconden en sus notas de jazz marcados por un minimalismo de infinidad de instrumentos. Asombra escuchar cómo el tiempo se puede detener en las imágenes que Hanne atrapa, porque la lírica de Hanne ofrece imágenes de punks vendiendo fanzines con el ojo del tedio (Berlin, la primera pieza del disco) o esa canción misteriosa, Fourteen, donde se asoma una madurez rara musicalmente hablando. En el nuevo repertorio de Hukkelberg se escucha de todo: loas medievales, ecos de Brecht/Weil/ de Rickie Lee Jones, hasta un hermoso cover de Break my Body de los Pixies! No hay excesos musicales, porque esta jovencita se conforma con mostrar evidencias de la calle, pero sin remover entrañas. No es un disco novedoso, no estará en los primeros 20 discos del 2007 en algún lado, pero hay un mood pasajero de magia y asombro en las notas de jazz, en el acordeón finamente acompañado de castañuelas. Uno de los discos más versátiles/correosos/aventurados del 2007

Para escuchar en myspace: + su blog

...pero es imposible perderse su versión de un clásico de los Pixies....

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Track details

UNNECESSARY NOISE: Canciones para Sirenas

2007-07-24T15:52:00.000-05:00

5 CANCIONES, 5 para volar

2007-07-24T02:02:00.000-05:00

Escucha el vuelo de las palabras, es un viento tibio si trae tu aroma.

1. Flying lesson (Hot Chicken #1) - Yo La Tengo
2. At the End of the Sky - Darkel
3. Airplane '96 - Pizzicato Five
4. Fly Me to the Moon - Julie London
5. It's Gonna Take an Airplane - Destroyer

Bájenlo aquí.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Klima de Klima

2007-07-23T20:15:00.000-05:00

Klima
Klima
Peacefrog
2007

Hay un tipo que de imágenes de la ciudad que se pueden escapar si no se libera cierta soledad; hay sombras que son un modo de vida que dura un instante y que abarcan modestamente una liturgía o un espejo de recóndita belleza: o tal vez la zozobra puede ser el contenido ostensible de un rincón inagotable de sueños. Así puede definirse este disco de breves certezas, de gracia musical a raudales. El primer disco de Klima (alias introspectivo del corazón del sonido de Piano Magic en los últimos años: Angele David-Guillou) es un lamento monocorde. Sin los arreglos de Piano Magic, la voz de Angele David-Guillou cae en el mundo feérico del Stina Nordenstam, pero esto no es un defecto. Si hay algo que distingue /alivia en este hermoso début son los diminutos/sencillos/exactos/soplos electrónicos que con su voz se mueven en una aleación sonora extraña: porque suena a Mazzy Star/Piano Magic/Stina Nordenstam/ (y todos los que mandes)..pero hay algo más. Porque de pronto los arreglos se pasean por los ecos más poéticos de Stereolab (¿o no estarán de acuerdo que el tapiz hermoso musical de Her Love is Happy, jugueteo con mínimos acordes a la Satie, es una herencia del track Fiery Yellow del álbum Mars Audiac Quintet, 1994?) Angele David-Guillou puede narrar paisajes de seres moribundos (The Lady of the Lake); o las huellas de la vida en el tedio de un sábado en la noche como en Fluorescent Stars (eco puro del hastío vital como en Let's go out tonight de The Blue Nile). Un disco donde no se respira banalidad, donde se respira una acústica electrónica atemporal, de fina supervivencia. Once canciones donde es díficil encontrar un hueco vulgar. Un logro discreto y bello.

en su sitio de myspace se pueden escuchar tres bellas canciones de este disco

Fluorescent Stars en concierto (Paris,Trabendo,23/06/07)

****comentario agradecido: estas treinta reseñas están dedicadas con sumo respeto, admiración a umbrella que nos recordó en una noche rodeado de amigos que los proyectos deben siempre continuarse y no abandonarse. Porque la música no es para impresionar, es para compartir.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO:Release the Stars de Rufus Wainwright

2007-07-22T18:53:00.000-05:00

Release the Stars
Rufus Wainwright
Geffen Records
2007

I'm tired of writing elegies to boredom

Rufus Wainwright, de la canción Sanssouci, 2007

Recordemos la portada del Want Two (2004) de Rufus Wainwright y quedarán al descubierto sus límites: la portada del disco es plena de estética prerrafaelista. Alguien que haya contemplado The Lady of Shalott de Waterhouse conocerá esa pose antes de una muerte hermosa. Pero algunas veces me parece que la referencia plástica correcta para Rufus Wainwright es Narciso: esa belleza lo ahogará. Hay varios claves erróneas en el mito del genio de Wainwright: es demasiado inteligente(algunas veces se pasa de chistoso), es demasiado erudito, demasiado bueno...y le falta mesura. La pieza inicial, Do I Disappoint You, satura por sus arreglos orquestales iniciales (¿no se ha dado cuenta de los alcances de la mesura de la orquesta como en Let it Down de Spiritualized?). Un inicio pomposo, desmesurado, demasiado inteligente ¿Para qué? Porque su voz es hermosa y es la herencia de dos padres obvios: Jeff Buckley y Thom Yorke. Claro que esos alcances los explota en canciones de alta factura (debe escucharse con agradecimiento el track dos, Going To a Town
) pero en una canción como Nobody's Off The Hook, el track cuatro, el piano, las cuerdas no suenan a nada, sólo son ornamento, cuerdas secas, con exceso de efusión: es decir ¿esos arreglos clásicos a quién impresionan? ¿Por qué se cree que algunos víolines enaltecen una melodía? Rufus puede escribir bellos desencantos ( I'm not ready to love):

I'm not ready to love, I'm not ready to love
I'm not ready to love until I'm ready to love you the way you should be loved
Until I'm ready to hold you the way you should be held
You should be held, but I'm not ready to

Un bella canción de seis minutos de naufragio sentimental. Ahí está el talento y el alcance de Rufus Wainwright: en la mesura de voz sin referencias musicales cultas que abrumen su talento. La canción ocho, Slideshow, ofrece el recuento irónico de la dependencia emocional:

Do I love you because you treat me so indifferently?
Or is it the medication?
Or is it me?

...hasta que entran los arreglos orquestales que opacan la sobriedad de la canción. Pero el mejor ejemplo de la desmesura es Tulsa: arreglos de cuerdas que intentan crear progresiones armónicas con un piano que apenas se escucha mientras la voz de Wainwright alcanza la tesitura de Yorke...nada se escucha, nada se entiende (¿o nos regresamos al Karma Police?) Pero después de ese intento de maníatico tempo en el fraseo musical se encuentra una joya: Leaving Paris donde la mesura de las cuerdas (elegantes, precisas, cuidando cada detalle del registro de la voz de Rufus) son un acierto.
Algo queda claro después de escuchar el nuevo disco de Wainwright: cada vez trata de ser inteligente, pero no tendrá nunca el wit de Morrisey; cada disco lo podrá saturar de cualquier referencia clásica (Schumann, Kurt Weil, Mozart), pero jamás tendrá la frescura de Jeff Buckley quien tenía una erudición musical educada y sensible para hacerle un cover a Benjamin Britten: porque la referencias musicales eruditas no hacen a un músico de verdad: sólo provocan que algunos poseurs existan. Alguien le tiene que enseñar las bondades de la mesura a Rufus.

Going To a Town

UNNECESSARY NOISE: Placeres Sencillos. La historia del imperio britanico

2007-07-21T14:00:00.000-05:00

(El ruido innecesario es porque todas las canciones son grabadas directo del vinil y nuestro equipo es cien por ciento lo-fi. El lo-fi es amor!)

Say something! Anything!

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Back Numbers de Dean & Britta

2007-07-21T13:29:00.000-05:00

Dean & Britta
Back Numbers
Rounder
2007

Las raíces no se olvidan.Porque cualquier proyecto musical de Dean Wareham tendrá para siempre las huellas de Galaxie 500 (si por alguna razón usted no ha escuchado ese trío esencial de los noventa se ha perdido de una urdimbre de armonía exacta, de un depurado universo de metáforas musicales) y de Luna (hay que decirlo con franqueza: su música no es exquisita porque su sonido pertenece a la matriz de Galaxie 500). Ha sido difícil vivir al margen de las sombras para Dean Wareham, porque cada uno de sus proyectos musicales ya no tienen la espontaneidad de Galaxie 500 y tienden a caer en una fase predicible en la composición. Tal vez por esa razón, el nuevo disco de Dean and Brita (sobrevivientes de Luna) ha apostado por lo más sencilla y con una fórmula efectiva: han optado por algunas composiciones originales y un puñados de covers. El resultado es generoso con la ayuda de Tony Visconti en la producción, pero, sin duda, sobresale la mano de Sonic Boom (uno de los cerebros de Spacemen 3, dúo con el mismo Jason Pierce de Spiritualized) que continúa en la veta de las exploraciones sonoras de su proyecto Spectrum (el track dos, Words you Used to say, tiene el fondo clásico del primer disco de Spectrum y la verdad, produce una evocación ensoñadora). Tal vez sea incoherente encontrarse con covers de Donovan, The Troggs, Lee Hazlewood, pero en la voz de Britta Phillips existe una cadencia delicada de diferente palpitar. Lo cierto es que Dean & Brita apenas están construyendo su camino y en sus composiciones originales de Back Numbers (como Words you used to say) se nota una callada arquitectura que no llega a la tristeza, ni tiene asomos de oscuridad, pero que se construye de un suspiro estético que está punto de madurar.

Para disfrutar: en su sitio de myspace pueden escuchar un par de canciones bellas de Back Numbers: Our Love Will Still Be There y You Turn My Head Around

Words you used to say

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO Learn to Sing Like a Star de Kristin Hersh

2007-07-20T23:35:00.000-05:00

Kristin Hersh
Learn to Sing Like a Star
Yep Roc Records
2007

Isn't this a lousy drug?
isn't this a pretty fall?
isn't this vertigo?
isn't this wonderful?

Vertigo, Kristin Hersh, 2007

...los goteos musicales de Kristin Hersh están de regreso porque siempre serán indispensables sus imágenes breves y la instrumentación honda (apoyada una vez más por las cuerdas Martin McCarrick) y porque su voz puede proporcionar una extraña tranquilidad. Después de haber escuchado el nuevo álbum de Hersh tengo la sensación que nada cambia, que no hay nada nuevo en su tesitura de voz, que no hay ninguna variante en su manera de componer canciones, no existe un nuevo acento porque desde hace mucho tiempo la lírica de Hersh alcanzó la latitud de la belleza. Es cierto que Kristin alcanzó el oficio insuperable con los discos The Grotto, 2003; Strange Angels, 1998 y el clásico Hips and Makers, 1994 y, claro, con todo Throwing Muses, pero desde años cada disco nuevo de ella es una reencarnación rigorosa de la magia de su voz, de los mismos rodeos: porque al llegar al track seis, Under the Gun, ya sabes que, pesar de algunos arreglos de cuerdas crudos (o postgrunge, como han querido ver algunos puristas) el valor del disco se refleja en la intermitencia de los estilos que lo componen (pequeñas melodías: Christian Hearse dura treinta segundos que asemejan un trance atropellado de confusión acústica que se liga en forma plañidera con la siguiente canción, Ice; mientras la melodía diez, Piano 2, es un ejercicio lacónico de guitarra que respira un atrevido hálito de transgresión con el tono del disco: vibración elegante de cuarenta y nueve segundos) No hay duda, hay caminos que nunca se olvidan por la calma que provocan: el latido de un corazón generoso nos puede otorgar una mitología secreta: esa ha sido la misión de la tesitura de la voz de Kristin Hersh quien, aunado a su capacidad de apropiarse de la guitarra para dibujar mapas infalibles, ha sido una presencia necesaria para entender el clasicicismo y la sencillez de las cosas de la vida. Más de lo mismo, más belleza concéntrica de los acordes de la guitarra.

En su bondadoso sitio de myspace se puede escuchar el álbum completo

ESENCIAL Discazo, L- Kan

2007-07-20T20:06:00.001-05:00

Discazo
L-Kan
2005, Molécula Records/Subterfuge Records
Género: indie, pop, electrónico

En una casualidad de la vida por fin encontré físicamente el Discazo de L-Kan, lo compré de inmediato, ya que tal vez no lo volvería a ver, llevaba más de un año tratando de conseguirlo/bajarlo/quemarlo/robarlo y así como así apareció frente a mi, tal vez preparándome para lo que venía en la tarde de jueves.

Y lo que pasó saliendo de esa tienda fue que entré al cine a ver la última película de David Lynch, la cual le gana a todas las demás en trama koo-koo confusa (además entré cuando ya había empezado, ¡ja!), así que con el cerebro hecho moño y mi cara de “¿huh?” al salir de la sala, me dispuse a darle play en mi arcáico discman al esperado Discazo… de repente dejé de sentirme la reina de las lerdas por no haberle entendido a la movie y reí bobamente al ritmo de L-Kan, reí por la simpleza listilla de las letras que son tan ingenuas que pasan a lo obvio, pero una obviedad de buena vibra que en vez de ponerte a pensar en la silvestre letra, mejor optas por cantar y bailar sin sentido. Vaya que me dieron ganar de hacer eso último, pero el exceso de gente en el transporte público me lo impidió, así que esperé a llegar a mi casa para bailar bobamente en la privacidad de mi minúsculo cuarto, y esto es justamente el propósito de la música de L-Kan: es para hacer coreografías privadas que sólo saldrán a la luz pública en una senda borrachera o para cantar frente al espejo después de bañarse –cepillo en mano y todo-, es para esos días en que pones música en la mañana mientras te vistes para ponerte de buenas, qué mejor manera de empezar el día que cantando “quiero hacer un viaje largo para escuchar contigo los CDs que he olvidado, cantar en el coche a pleno pulmón porque la música y yo tenemos razón… voy a hacer todo por placer”.

L-Kan son cuatro españoles (tres chicos y una chica) y éste es su tercer disco. Hacen música de tecladitos, cajas de ritmos y acordes básicos, electro tontipop del bueno, de ese que se mofa de manera ingenua sarcástica de todo, hasta de ellos, se saben orgullosos representantes del tontipop pero lo hacen de la manera correcta, como en la canción “Mi cociente es diferente”:

Voy a confesar mi problema:
soy superdotada pero me hago la mema,
Mi cociente es diferente, me hace muy difícil el estar con la gente.
(…)
Todo el mundo me odiaba,
Ya está aquí la listilla, la rara.

Cuando escuché ese track me sonó como a justificación para hacer tontipop, como un escape de todo con la finalidad de hacer música sea como sea, para pasarla bien, para disfrutar un estilo que tal vez sea efímero pero... ¡ah cómo se disfruta! No es ese pop tarado que realmente nos hace pensar en la cantidad de cromosomas que tienen los intérpretes o cuánto daño les ha hecho la droga (como todas las variaciones del Sonido Lasser… momento, ¿lo dije o lo pensé?) y terminan por dar pena ajena, no, es pop que maneja todo tipo de temas, aunque sean tristes o estúpidos, de manera alegre en extremo, una fiesta de beats cuya finalidad es hacer que se nos olviden todas las preocupaciones de la vida diaria. Alegría musical tipo Stereo Total en castellano que se autoburla de sus creadores y del género musical en “Quiero ser siniestra”:

Mi problema es la alegría, odio la felicidad
Quiero sentir apatía, ya no puedo reír más
Con esta cara de idiota estoy tan contenta
Todo me hace gracia, ya me da vergüenza .

Y no podía faltar la canción cursi nostálgica, esta vez llena de preocupación de joven adulto pre-compromiso matrimonial en “Novios”:

Ahora somos novios y todo va a cambiar
Ya todo lo de siempre se va a quedar atrás
Y todo lo que he ganado también me hace pensar
En todo lo que he perdido lo que no haré ya nunca más
Llorando con mis amigas los viajes para ligar (…)
Noches sin ir a la cama dormida dentro de un bar
Todas las cosas que hacía mientras tardabas en llegar.

Podría seguir echando porras de cada canción pero no lo haré, sólo diré que mis favoritas son “Todo por placer”, “Yo ya no” y “Aburrida de estar salida”, esta última me hace reír tanto que mejor les dejo el video para que sepan porqué:

Esta edición de distribución mexicana del Discazo de tan apropiado nombre incluye 14 temas (uno instrumental que lleva el nombre de “La pilingui, la perdida, su mujer y su amante”), dos temas extras, dos remixes y el feliz video de una sola toma de “Todo por placer” que ejemplifica la buena vibra de los L-Kan bailando y dando tumbos por alguna calle de España.

¡Suficiente! Mejor dejo de escribir para cantar con todo y acento español, whiskey en mano y frente al espejo como se debe en estos casos de fugaz felicidad solitaria que dura hasta que una se canse y pone de buenas para toda la semana.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Grinderman de Grinderman

2007-07-19T21:35:00.000-05:00

Grinderman
Grinderman
Mute
2007

Vulgar, soez, profético, poético, estridente, crudo, epidemia desesperada, romántico, primitivo, desbocadamente carnal, fantasmagorías sórdidas, el apocalipsis de la noche puede ser No Pussy Blues (el track saturado de estridencia benevolente). Un disco que arde en gestos afables, acogedores, infernales (la canción Grinderman, de acuerdo a Martyn Casey, es un evil haiku), alucinaciones poéticas (Electric Alice), advenimiento de la esperanza teñido de memorias del subsuelo: el recuento de la vida oscura. He aquí la muestra del inagotable genio de Nick Cave: tal vez el mejor disco del 2007.

Grinderman es Nick Cave, Warren Ellis, Martyn Casey, Jim Sclavunos, o sea otro supergrupo de verdad y no pérdida de tiempo: la única orgía de sonidos pasionales del 2007. La furia se escupe desde la primera canción porque Nick Cave no había sonado tan furioso desde Birthday Party.

I got to get up to get down and start all over again

kick those white mice and black dogs out

kick those white mice and baboons out

kick those baboons and other motherfuckers out

Así taladra el opening track de Grinderman (Get it on, es curioso descubrir el sencillo de siete pulgadas donde se puede escuchar una versión suave y sencilla donde no existe la furia de Nick Cave ni el magma denso de la guitarra, para fortuna de los clavados esa versión se puede escuchar en el sitio de myspace), la fuerza de ese primer track es la de una la grieta que esconde un abismo podrido. El segundo track: No pussy blues, abre con el sonido de una máquina escribir para unirse a una batería que preludia la voz de Cave en una narración de pliegues, de intentos burdos/poéticos para encontrarse con una mujer:

I saw a girl in the crowd
I ran over. I shouted out
I asked if I could take her out
But she said that didn't want to
I changed the sheets of my bed
I combed the hair acroos my head
I sucked in my gut and still she said
that she didn't want to
I read her Elliot, read her Yeats
I tried my best to stay up late
I fixed the hinges of her gate
but still she just never wanted to

...y de pronto la invasión de una guitarra eléctrica que todo lo consume en su furia: frustración siempre en la garganta para terminar con la proverbial línea: I got no pussy blues. El crematorio de un corazón cansado/ nutrido de una estridencia malsana. El corte Electric Alice (¿acaso un guiño musical al Alice de Tom Waits del 2002? Una hemoso canto pálido a las huellas de la luna. La canción cuatro, Grinderman, un breve canto de cuna apuñalado de una guitarra eléctrica/corrosiva reservada sólo para las pesadillas: acordes oxidados y llenos de podredumbre. No tiene caso hablar del disco pieza por pieza: he aquí las astillas dolorosas del año listas para clavarse debajo de las uñas.

para ver/escuchar el sitio de myspace + el lujoso y cuidado site de Grinderman

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Myth Takes de !!!

2007-07-18T00:17:00.000-05:00

!!!
Myth Takes
Warp
2007

El nuevo disco de !!! tiene algo de peculiar: es el primero trabajo de ellos para el sello Warp después de haber sido los hijos bastardos del sello de Chicago Touch and Go (un obscuro tesoro de underground norteamericano, casa, por ejemplo de The Black Heart Procession y de Nina Nastasia) y culpables de uno de los álbumes dobles más obesos que se tenga memoria (Louden Up Now, 2004, sólo para admiradores de bandas como Mars Volta) de mediocres alcances. Con esos antecedentes es díficil acercarse al nuevo disco de la banda de Nic Offer: se conocen de antemano los estruendos en las guitarras, pero...

El nuevo disco de !!! posee un sonido maduro donde los estruendos de guitarra han desaparecido para dar lugar a espamos funk/punk/sicodélicos hipnóticos. Sorprende su sonido en estos días: porque es indudable el virtuosismo heredado de haber escuchado a King Crimson en la composición, pero también de haber atesorado las letras vacuas/desmadrosas de Beastie Boys/Ramones. El track dos ( All my heroes are weirdos) es humor inteligente vomitado en el ritmo sincopado de la guitarra. A partir de ahí la vitalidad será la misma: ritmo al cual es imposible resistirse. El tercer track (Must be the Moon) es un claro ejemplo del tono del álbum: un sonido amparado en las distorsiones/en el vértigo de la guitarra que acelera/se tiñe de una densidad funk con las posibilidades de un pop con raíces tech-house. Sin duda, el track cinco (Hearts of Hearts) es el mejor: su sonido electrofunk (disfrazado por momentos de electrosoul) durante seis minutos cumple su objetivo: sacudir con sorprendente habilidad en esa especie de sicodelia espacial. Un disco radiante, a pesar de sus escasas ramificaciones del sonido.

en su sitio de myspace podrán escuchar tres canciones adictivas del nuevo disco de !!!

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO:Two of Diamonds de Mick Harvey

2007-07-17T21:01:00.001-05:00

Mick Harvey
Two of Diamonds
Mute
2007

...un disco de sabios covers....

Otra maravilla: una entrega de once itinerarios amorosos ausentes/suplicantes/ devorados/enfermos de plenitud. Once himnos necesarios del 2007 cobijados por las notas de Rosie Westbrook, James Johnston, Thomas Wydler con la voz de Mick Harvey (todavía no me convence el cover Out Of Time Man de Mano Negra)...

La poderosa figura de Nick Cave ha opacado el genio de Mick Harvey. Debe decirse con toda franqueza que tener un disco nuevo de Mick Harvey es un privilegio. Cualquier proyecto en los que ha participado habla por sí sólo: The Birthday Party, The Crime and the City Solution (una de las mejores bandas de la historia), cómplice eterno de Nick Cave and The Bad Seeeds; dador de tres himnos que salpican de belleza lírica al poema de Wim Wenders (Wings of Desire) y por si fuera poco, nos entrega su cuarto disco con una rasgo que llama la atención: nueve de las doce canciones que lo componen son covers. Así es, el señor Harvey ha apostado por recuperar gemas musicales/hablar con las palabras de otros. Sin embargo, en la voz de Harvey (con todos los ecos de Dylan/Cohen/Waits/Cash/Lanois/Walker) suenan propias y no devociones ajenas. Lo que es claro al terminar de escuchar Two of Diamonds es el desenfreno del apetito musical de Harvey y, al mismo tiempo, hilvanar doce canciones aparentemente dispares en una fluidez lírica de pormenores descubiertos. La canción inicial (su versión de Photograph de Chris Bailey) en su interpretación suena a un empeñando intento por recuperar la hondura de la memoria. El track dos (I don't want you out of my mind, original de Bill Withers) se abre con una guitarra digna de cualquier escena borrada de las Alas del Deseo: una hermosa canción/reencarnación que ilustra el temple de un recuerdo. La milagrosa version de Sad Dark Eyes (original de Die Haut, la banda de otro cómplice de Nick Cave: Thomas Wydler) es más carne que alma: hace pedazos la versión original (y eso que la versión original, del disco Headless Body in Topless, 1988, es sublime). Here I am (original de Emmylou Harris): breve melancolía que trasmite belleza, angustia, soledad, esperanza con esas notas mínimas de cuerdas contrastadas con esos hermosos coros: infinita sabiduría en la composición replegada en tres minutos y medio inmensos. Blue Arrows, original del mismo Mick Harvey, enfatiza un piano digno para una canción sobria sobre los caminos que marca la presencia recuperada de un encuentro efímero. Slow Motion Movie Star (canción inédita de P. J. Harvey): guitarra encajada en un piano mientras la voz viajera de Harvey roza la esperanza. Y el cierre del disco es monumental: su versión de un clásico de Crime and The City Solution, Home Is Far From Here, un salmo desnudo/plegaria cruda cantada como si fuera la última oportunidad de alcanzar un reposo en el alma. Un disco esencial.

***Admiradores de discos-homenaje a José José, Rigo, Chabelo,Tin-Tán, Tigres del Norte y bodrios de ese tipo, ni lo intenten: este es un recuento del pasado que no entenderán.

En myspace escucharán tres canciones de este álbum (incluyendo la versión del clásico de Mano Negra), pero tienen que devorar las siguientes bellezas:

Here I am

Blue Arrows

ESENCIALMarquee Moon, Television

2007-07-16T23:49:00.001-05:00

Marquee Moon
Television
1977, Elektra
género: rock, punk

Uno no puede ser demasiado cuidadoso al momento de cuadrar los detalles que forman un movimiento tan drástico como el rock o el punk. Cada chispazo de juventud explosiva determina un nuevo sonido, una nueva camada mutante.

Son estas joyas espontáneas los Elvises, Ramones y New Divisions del mundo. Otro momento genial es Marquee Moon, de Television.

En 8 canciones, la banda de Tom Verlaine dejó un testimonio que, para muchos, sigue siendo desconocido y es importantísimo para la corriente de punk melódico que lideran los Strokes. Ellos mismos admiten haber tomado muchas cosas directamente de Television, y ahí son inteligentes por aceptarlo (nadie puso atención de cualquier manera).

Desde la portada podemos ver el atisbo de un Casablancas menos rico, más drogado y mucho más inteligente. Pero este no era sólo un vocalista carismático, Verlaine me suena más a Baudelaire.

Television también sonaba más a poesía que a MTV. Marquee Moon fue su pináculo y final. Como tantas otras bandas, volaron al sol y sus alas se deshicieron. En este disco podemos ver el instante exacto donde el rock progresivo/clásico de las decadas anteriores se fundía por completo con el movimiento hipster neoyorquino de finales de los setenta para encender una vertiente de punk fino y preciso, y consecuentemente la supernova de 'música alternativa' que ha reinado desde entonces.

Las guitarras de Verlaine y Richard Lloyd llevan tanta historia sobre ellas que es difícil separar sus años como los anillos de un árbol. Ahí está Jimmy Page, Robby Krieger, Hendrix, Clapton, B.B. King, derretidos uno sobre otro, creando un paisaje ácido, infinitamente tratado de igualar en las décadas próximas.

Las letras, abstracciones estupendas de la ciudad y el momento correctos. El West Side demasiado intelectual para su bien.

Marquee Moon puede mantenerse en las sombras de un Nevermind the Bollocks o un Closer; pero una mirada minuciosa al rock actual puede mostrar los pequeños guijarros de Television por todas partes, incrustados aquí y allá en las chamarras, los peinados y los dedos ansiosos de una generación completa de Myspaceros.

Ahí, ahí está la vida eterna. No cayendo en el pozo de los discos de 99 pesos.

UNNECESSARY NOISE: Placeres Sencillos

2007-07-16T19:53:00.000-05:00

Pues he hecho de mi semi-abandonada columna "Placeres sencillos" un podcast. He grabado directo del vinilo algunas piezas que me han conmovido recientemente. Ojalá lo disfruten. Tiene un molesto ruido de fondo, para hacerle honor al podcast, ya que todavía tenemos que solucionar algunas cuestiones técnicas. Pero mientras, acá va, directito del acetato.

Esperamos comentarios. Gracias.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Cryptograms de Deerhunter

2007-07-16T10:57:00.000-05:00

Cryptograms
Deerhunter
Kranky
2007

...higher than the sun...

El entusiasmo me embarga. (...y siempre digo que se debe escuchar el Loveless de My Bloody Valentine dos veces a la semana, por lo menos)
Muy a principios de la década hermosa de los noventa una banda definió los caminos donde nadie transitaría. Disco Inferno fue una de esas bandas que comprendió el signo de los tiempos (samples/guitarras a la Loveless/la asfixia de Joy Division). En 1994 sacaron un disco fundamental de la escena inglesa: D.I. Go Pop. Una obra cumbre que se adelantó a su tiempo (si, ya sé que ésta es una frase hecha, pero en ese álbum de Disco Inferno se aplica) Nadie siguió los derroteros que señaló la visión sonora de la guitarra de Ian Krause; nadie se animó porque aparecería Oasis y su Live Forever se volvería un himno generacional. Tuvieron que pasar trece años para que ese sonido vibrara otra vez. Porque todavía no salgo del pasmo al escuchar el nuevo disco de Deerhunter: brutal. Un disco de dos partes: la primera va del track 1 al 7 (una camino hermoso de sampleo/guitarra shoegazing que fluye por encima de un sueño con complejidad y con una propuesta disonante. Letras que tocan el imperio en ruinas, como el Boxer de National; un collage saturado de matices orquestales con tonalidades góticas/punk/new wave/espíritu desatado con breves destellos a la Tuxedomoon...eso ocurre en menos de treinta minutos: un golpe bello es el track cuatro Lake Somerset). A partir del track ocho (Spring Hall Convert, una esencia apasionada y tranquila que te hace rogar que el disco no se acabe nunca) se abre una serie de canciones donde la belleza no es un accidente. Hay sorpresa y emoción mientras avanza ese pop tan fino y exquisito, como si la visión grisácea de la primera media hora fue una miseria emocional olvidable para dar paso a una canción perfecta (Strange Lights) con todos los ecos de un Stereolab inocente. Pero el siguiente track (Hazel St.) tiene un ruptura melódica y hermosa que confunde con delicia. Tape Hiss Orchid es un interludio sin pena ni gloria para dar entrada a Heatherwood que pone fin a un torbellino/colección que se ubica más allá de cualquier referencia musical. Casi genial.

...en su sitio de myspace pueden escuchar tres canciones maravillosas de este disco grande.

5 CANCIONES : 5 para extrañar

2007-07-16T01:13:00.000-05:00

Egon Schiele - Autumn

La nostalgia envuelve como cinco dedos perdidos, una jaula es la memoria de la piel.

1. For What it's Worth - The Cardigans
2. Favourite T - The Lemonheads
3. Dress Up in You - Belle & Sebastian
4. Stay - Belly
5. Baker Baker - Tori Amos

Bájenlo aquí:

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: From Here We Go Sublime de The Field

2007-07-15T21:20:00.000-05:00

The Field
From Here We Go Sublime
Kompakt
2007

...un cóctel electrónico de primer nivel...

Uno de los quince discos que deben escucharse este año. The Field (alias de Axel Willner) ha elaborado un tratado techno de inteligencia que fluye de manera vibrante. Si se escucha con atención los diez tracks que componen el disco se puede encontrar un estructura ambiciosa que parte de eso pequeños detalles sonoros que delinean un melodía (todo la enseñanza de Brian Eno/Harold Budd) hasta estallar o permanecer en ese halo lírico que no tiene la música electrónica parasitaria. Willner calibra el beat para que sea incendiario/rugiente/sereno/ o un silencio lacónico. Un álbum con una unidad clara para dar vuelta rítmica en los momentos exactos, como si todo se tratara de una mutación de beats.La pieza inicial es una herencia delicada de Star Guitar de The Chemical Brother que resulta ser una mesurada guitarra atravesando reminiscencias de Kraftwerk/The Orb/ Daft Punk hasta el Lawrence de The night will Last Forever, 2005. Esas tres piezas iniciales (Over The Ice/A Paw In My Face/Good Things End) están ligadas por la mesura del ritmo. Rozando elegantemente el trance (esa base hipnótica que parece no desfallecer en Good Things End), la armonización de éstas tres piezas se disloca brillantemente con el track cuatro (The Little Heart Beats So Fast) que parece una nostálgica pieza de house para ligarse con ese corte ejemplar de glitch/house narcoeléptico (Everyday). The Deal, track siete, consiste en diez minutos sútiles vestidos con esos coros excelsos a la Xtal de Aphex Twin con capas melódicas y bordes igual de finos. Los tracks nueve y diez (Mobilia/From Here We Go Sublime) parecen Philips Glass con John Cage soñando sus oscilaciones/obsesiones rítmicas, pero en una secuencia de downtempo/dub dirigida por Stockhausen. Casi el espíritu de una sinfonía.Melódicos/plácidos/crecendos electrónicos para días soleados.

...para escuchar:

The Deal

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Track details

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: The Meaning of 8 de Cloud Cult

2007-07-14T21:12:00.000-05:00

The Meaning of 8
Cloud Cult
Earthology Records
2007

Varios hechos van quedando claros mientras avanzan los tracks de este disco: la banda Cloud Cult, lidereada por Craig Minowa, tiene todo el camino perdido. No hay duda, The Meaning of 8 es un disco lindo, atascado de disonancias de violochelo, guitarra saturada, pero bonita; letras tontas que se quieren pasar de listas. Sí. Puede ser un disco bueno...si no han pasado por tus manos la discografía de The Flaming Lips (hasta el Cloud Taste Metallic, 1995). The Meaning of 8 puede cautivar si se ha desperdiciado el tiempo/la vida escuchando la discografía olvidable de Green Day y si no se ha escuchado con la paciencia debida los valiosos discos de Mercury Rev (principalmente su obra cumbre, Deserter's Songs). Además de lo anterior, si se creen los manifiestos estéticos de Craig Minowa, quien pretende ligar este disco con el pensamiento de Jung,(¡!) pues los disparates en las letras pueden pasar por muy profundos, pero no lo son...
Porque los paisajes sonoros como Everywhere All At One Time (una tomadura de pelo de un minuto) son un desperdicio que pretende ser muy inteligente. La canción de Allien Christ quiere pasar por muy chistosa, pero su mediocre imaginación da pena (en serio ¿Craig Minowa nunca escuchó esa obra maestra de avistamiento OVNI cantada por los Pixies, The Happening del Bossanova? Después de escuchar las 19 canciones del album dos cosas quedan claras: las mejores canciones son Chain Reaction, la que abre el disco (una canción bellísima, una caricia) y Dance for the Dead (una hermosa, en serio hermosa elegía/canción en memoria del hijo de Craig Minowa muerto hace cinco años)...pero cuando se llega a la canción final, Song of The Deaf Girl, (minuto y medio de silencio...wow, cuánta inteligencia) uno se da cuenta que hay bandas que viven de la basura para impresionar a los incautos...

Salvo esas dos canciones, que por mala suerte no están es su sito de myspace, The Meaning of 8 es un disco que debe evitarse...

Para disfrutar: Chain Reaction de Cloud Cult

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Monologue de Takeshi Nishimoto

2007-07-13T21:43:00.000-05:00

Monologue
Takeshi Nishimoto
Buro
2007

Grabado en una sólo día en una iglesia (en Evangelische Kirchengemeinede Berlin-Oberschoeneweide) el sonido de este disco está matizado por el crujir de las paredes de madera, por ese silencio de iglesia que es la transfiguración/maduración del tiempo vivido (el tiempo, escribió Gabriel Marcel, es la paciencia de Dios). Escoger una iglesia para tocar una guitarra clásica no es sólo interesante o una curiosidad musical (o como se dice ahora, chido) No. Escoger una iglesia para Takeshi Nishimoto fue la búsqueda de Harmonia Mundi que nos rodea en forma reducida y cuya partitura atraviesa jardínes, pesadillas: porque un sencillo sonido pueder ser la restauración del pasado o una entidad sonora de hondura pulcra/devastadora.

Pensemos en la tradición clásica de la guitarra y algunos nombres vienen a la memoria. Sobresale el compositor Hans Werner Henze (para disfrutar su Música para Guitarra interpretada por Franz Halász, editado por Naxos hace un par de años) Sin embargo, la guitarra tiene su dimensión preciosa en las manos de Don Andrés Segovia. Se deben escuchar esas maravillas de la música mexicana compuestas por Manuel M. Ponce (Sonata Romántica/Sonata Clásica/Sonata mexicana/Sonata # 3, mi favorita) ejecutadas por los dedos de Don Andrés Segovia para saber que la palabra claridad crepita algunas veces.

Por esas razones deslumbra la sencillez del disco de Takeshi Nishimoto: notas que fluyen en serenidad, los dedos de Nishimoto ofrecen un inquietate manojo de doce sueños/doce crepúsculos de estética modesta, pero subyugante donde se pueden escuchar los pasos de la obra del guitarrista brasileño Heitor Villa-Lobos. Un disco que abre con la poética sonora de Memory 4 AM, una sombra breve en la madrugada para alivio del sueño. Ligeras melodías/paisajes/cenizas de fotografías/memorias elegantes/transparencias/paseos nocturnos/pasos solitarios/himnos a la tierra/ silencios de la respiración/ bondadosas y depuradas olas plasmadas en la arena...

Para disfrutar, Takeshi Nishimoto:

Memory 4am

Interwave

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: The Four Trees de Caspian

2007-07-12T23:04:00.000-05:00

The Four Trees
Caspian
Dopamine Records
2007

...desde Boston...

El segundo album de Caspian tiene algo de misterioso: no sabes si estás escuchando el nuevo disco de Explosions in the Sky...y lo confieso: no hay otro modo de acercarse a este disco; es imposible hacerse el sordo y no reconocer la intensidad que parte de lo pequeño para llegar al crescendo que deslumbra (ejemplar, de verdad, la melodía uno, Molshka, una pieza de casi diez minutos, que parte de un acorde sencillo a la Sigur Ros del ( ), pasa por el elemental tempo lento de Mogwai para estallar en arrebatos a la Explosions in the Sky...pero ¿qué se saca después de escuchar con desconfianza las once piezas del disco? Nada. Sólo reconocer el talento de Caspian, ...pero saturarse del encanto de las formas de lo que ahora se llama post rock es quedar atrapado en una latente quietud, sin la posibilidad ofrecer un nuevo cuerpo, una nueva sensualidad en el torrente de las guitarras. Hay belleza, no cabe duda, pero después de Explosions in the Sky, Mogwai, Sigur Ros ¿para qué ofrecer la misma sintaxis musical, pero menos vibrante? La novena pieza del disco, The Dove, en mi opinión la más pura de todas, es un hermoso paisaje de tres minutos: sereno sin necesidad de recurrir a los destellos de guitarra aprendidos de manual. En la misma vena se encuentra el track seis, The Dropsonde, que ocurre/vibra/trasluce/ en una suave guitarra distorsionada que parece haberse fugado de alguna sesión del Loveless de My Bloody Valentine.

Si eres fan de Explosions in the Sky, como lo es el servidor de ustedes, lo disfrutarás...pero Caspian no dejará de sonar a una especie de reciclaje musical apresurado...

Para los desconfiados: en el sitio de myspace pueden escuchar dos tracks: Crawlspace y Some Are White Light

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Part Monster de Piano Magic

2007-07-12T18:15:00.000-05:00

Part Monster
Piano Magic
Important Records
2007

This heart, it is proud to have loved you.

Piano Magic, de la canción Cities & Factories, 2007

Este no es un disco más de Piano Magic: es una summa de sus senderos en los últimos diez años: las letras de Glenn Johnson encuentran en la geografía inglesa (desde Nottingham a Londres) su habitat natural para narrar afiladas estampas musicales de lluvia, sombras, temores, culpas y ocasos del alma. Después de diez años la vida musical de Piano Magic está más entera que nunca. Elocuencia vasta y reconciliadora que salpica las preocupaciones de siempre pero con el aliento fértil de una madurez más sensible, más sabia, más dolorosa; Escuchar sus discos es encontrar epitafios emocionales que necesitas: basta evocar ese título vehemente de desamparo (Music Wont Save You From Anything But) Silence del disco Writers Without Homes del 2002) para saber que la música de Piano Magic es una materia prima luminosa y exacta. El nuevo disco de Piano Magic se encuentra en el horizonte de siempre (una intensa obsesión con los fantasmas que recorren/comulgan en las calles de Londres en bancarrota emocional) pero ahora con nuevos ecos en la produccion que corre a cargo de Guy Fixsen (excelso cómplice de Laika, Moonshake)

Porque desde el primer track la ciudad se sabe con seguridad que la ciudad es el caluroso hogar de los espectros. The last Engineer nos recibe con la aseveración: I feel alone in the city/I feel alone in the crowd/I try to listen to reason/But the city is too loud y de inmediato se percibe que el pathos generoso de la geografía de Glenn Johnson sólo tiene el camino abrasivo de la nostagia para construir puentes. Desde el inicio sabemos que el nuevo disco de Piano Magic es el retrato inmutable de la arquitectura de cualquier ciudad para explorar la fragilidad, plasticidad precariamente iluminada por la esperanza. El segundo track, con las hermosas vocales de Angele David-Guillou, England's Always Better (As You're Pulling Away) muestra los pliegues de las calles que no nos abandonan en ciertas lluvias. La canción tres, la hermosa Incurable, originalmente del hermoso EP del año pasado, suena más clara e incandescente en su nueva versión. Ninguna de las diez canciones que componen este disco tiene desperdicio: se encuentra un sarcasmo brutal en Soldier Song, por ejemplo. Se escucha la condena sabia: Your fought for country/you fought for your Queen/Now everyone is happy...

Más canciones de abatido ambient pop: más maravillas desnudas..para que cierta lluvia suave y breve caiga siempre...

...en el sitio de myspace podrán escuchar dos claridades sonoras de este nuevo disco: para sobrevivir el resto del año...

DISCO NUEVO We Are The Night, The Chemical Brothers

2007-07-11T19:13:00.000-05:00

We Are The Night
The Chemical Brothers
2007, Astralwerks
género: electronica, techno, dance

Es casi inútil decir que los Chemical Brothers son una chingonería. Es un lugar común, es casi vulgar.

And still, i'm gonna do it again.

We Are The Night, su séptimo LP oficial, los encuentra en un momento extraño de la escena electrónica, con Dan Deacon, Justice, los Midnight Juggernauts (entre otros) sueltos por el mundo. Esta nueva camada de beat-poppers enfermitos de funk se propaga rápidamente, más rápido de lo que puedas ahorcar al DJ. No me tiren de loco cuando digo que viene una nueva ola de dance para arrasar con el indie. Los Decemberists del mundo deberían preocuparse.

Ellos, los Chemicals, no están preocupados. De hecho, están más comodos que nunca en su lugar de superestrellas del techno. Diez años después de su boom, han creado un disco redondo, retro y clásico a la vez. Las colaboraciones no pueden faltar y en esta ocasión reclutan de chile, mole y pozole: el emo de The Klaxons, el indie de Midlake y Willy Mason, el hip hop sucio de Fatlip y el pop de Ali Love.

Seguros de ser los únicos sobrevivientes de ese rave malviajoso noventero, parecen estar jugando con el mundo como juega un gato con el cadaver de un ratón. Saben que sus rolas son pegajosas, saben que la gente los recuerda con cariño, saben que pueden poner a bailar a cualquiera (hasta al mundo árabe completo, según el video aquí adjunto, y vaya que esos musulmanes no se andan con chistecitos) y en WATN se desafanan de las actitudes mamonas, ofreciendo puro placer bailable, un madrazo de MDMA hecho sonido.

El disco entero es una alarma para despertar a todos aquellos dispuestos a subirse a la pista de baile: el arte sicodélico disfrutable en un viaje de ácido, los títulos alusivos a la noche de fiesta como The Salmon Dance, Saturate, Harpoons, A Modern Midnight Conversation, The Pills Won't Help You Now...

y por supuesto, Do It Again:

They have. And succeeded again as well.

Si usted, incrédulo lector, duda de mi predicción sobre la próxima moda musical, concédame dos minutos de su tiempo y lea la temerosa, flamígera y envidiosa reseña de los gurús del indie, Pitchfork Media. El pellejo ardido de gallina huele hasta acá.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Dark one de Alsace Lorraine

2007-07-10T23:51:00.000-05:00

Dark one
Alsace Lorraine
Darla
2007

...el sabor de la desilusión...

El talento para despedazar una voz hermosa...

El cansancio es llegar a la canción seis (one day, far off, if the world forgot, sin duda una de las mejores canciones del disco): y saber que no estás escuchando un disco de Magnetic Fields sino una buena canción que sorprende por una vehemencia lacónica entre tantas canciones sin credibilidad alguna, sin ninguna depuración, porque ahí se queda todo: en el intento de asirse de la hermosa voz de Isol y no llegar a ningun horizonte espléndido...porque es imposible aguantar la voz, sin gracia, de Paul Francke y escuchar una línea patética que reza: When I was 17/I had a telling dream en la gris canción Call for Papers. Porque lo que se puede encontrar en el nuevo disco de Alsace Lorraine son acordes maltrechos sin temperamento, sin fibra encantadora.

Creer que escucharás la hermosa voz de Isol... y lo único que encontrarás es una voz que no lleva a ningun puerto de melancólica pureza. Descubrir que el nuevo disco de Alsace Lorraine es sólo una tímida evocación de acordes a la Black Tape for The Blue Girl, pero lo que más intriga es que el proyecto de Alsace Lorraine se pierda y asfixie en laberintos de guitarra sampleados a la Other Two. Llegar a la canción ocho, Claire, para saber que ya los cabos sueltos son imposibles de escuchar y soportar. Y de pronto agradecer que la canción nueve (Stormy Sky) se vista de un paisaje cambiante en la guitarra y saber que la Isol que conoces está ahí... sólo que el encanto dura dos minutos. Y llegar al final del disco para escuchar la mejor canción de todas (The Tall Grass, pero antes hay que soportar una tediosa canción como Burden Down en la voz insufrible de Paul Francke) pero lo triste es que esa canción vale la pena ... en un mix de Robin Guthrie (con todo la vena Cocteau Twins) y sabes que la voz de Isol puede ser un mar doloroso en inglés y que casi todo el disco Dark One es una divagación tan dispar, poco original con teclados inanes que minimizan el alcances de esa hermosa voz...y no saber cómo es posible que la mejor canción se disipe en dos minutos!

Una obra con un pulso bajo que no alcanza para sobrevivir una tarde de domingo. Sólo para saber que la discografía de Entre Ríos vale oro.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO:The Last Holy Writer de Blue Trembling Stars

2007-07-09T22:14:00.000-05:00

The Last Holy Writer
Blue Trembling Stars
Elephant
2007

Puede haber dos formas de acercarse al pop de los ochenta. La más patética es tararear la tonada de Sussudio de Phil Collins, pensar que Duran Duran son perfectos y que Bruce Hornsby es un pianista consumado. Para fortuna nuestra hay otro camino. Una escuela de bandas ha logrado acumular la melancolía de los pequeños sonidos, de los breves coros de los ochenta (grupos como Prefab Sprout, Human League, Visage, Japan son las banderas de los sonido de ahora, si no me creen hay que echarle un ojo a la canción No Cars go de último disco de Arcade Fire para saber que es un plagio soberbio de la canción King of Rock and Roll de Prefab Sprout hasta con los mismos coros de Wendy Smith) Por eso se agradece el regreso del pop melódico, el de la esplendorosa melancolía. Bobby Wratten y Beth Arzy siguen sonando tristes en sus cantos al mar, en sus recuentos de los ocasos pasajeros que alimentan la tragedia de una foto borrosa, de cierto un color de cielo que nos aniquila: porque todos tenemos palabras que no se nos pueden pronunciar, nos dejó escrito Thomas Bernhard... Basta escuchar la canción dos (Idyllwyld) para saber que una simple estructura elemental (base de guitarrra shoegazing/verso/coro post Slowdive/ Mojave 3 en la voz de Beth Arzy) puede convertirse un espectro encantador. El nuevo disco de Blue Trembling Stars no es el descubrimiento del pop imaginativo para volverlo en mitología venerable. No. Cuando suena la canción tres (Sacred Music en la voz de Bobby Wratten) sabemos que la fuerza de gravedad es una coartada ensoñadora para permanecer guarnecidos en la vida (y siempre con esos coros discretos a la Prefab Sprout con teclados, que más que nada son fulgores electrónicos dosificados estéticamente con arreglos de cuerda relucientes). The coldest Sky tiene como subsuelo una guitarra deslumbrante a la Johnny Marr para dejar en caída libre la voz de Booby Wratten que canta de la misma manera contenida de siempre. Un disco de Blue Trembling Stars sacude por la furia de los tímidos detalles electro pop para contar las insaciables/envidiables historias del mismo color, del mismo dolor. ¿Pero qué importa? el recogimiento de ellos sigue siendo la calidez de la inteligencia en una melodía simple.

En su sitio bondadoso de myspace podrán escuchar una de las mejores canciones pop del año: Idyllwyld junto con November Starlings, This once was an island y The Tenth of Always...los mismos trucos musicales de siempre, la misma delicia.

UNNECESSARY NOISE: En busca del sonido perdido I.

2007-07-09T10:50:00.000-05:00

Unnecessary Noise: En busca del sonido perdido
Guión y selección de Evelio Rojas
Mezcla, voz y posteo de Yours Truly

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Boxer de The National

2007-07-08T10:04:00.001-05:00

Boxer
The National
Beggars Banquet
2007

...un disco de aguda mirada sobre el polvo, sobre la refulgente desesperación, sobre la oscuridad que no daña, pero que oscila entre lo efímero y el filo de la pereza.

Después del ocaso de Interpol (Turn on the Bright Lights se quedará como uno de los debuts más extraordinarios de la década) que ha terminado es un aburrido segundo disco (Antics) y un autoplagio notable en el tercero (Our Love to Admire, 2007, en fila para ser reseñado algun día de estos por su servidor) sólo quedan las huellas. Boxer de The National es una revisión saludable sonido de Joy Division, Wire (especialmente el opening track Fake Empire), Sonic Youth hasta Interpol. Pero recordar estas bandas no es ningunear el talento de Matt Berninger (letrista de The National) y compañia, ya que la letras de Matt Berninger son escenarios de abandono, decadencia glamourosa o cualquier confirmación del vacío abismal que se encuentra en cualquier calle de una inmensa ciudad, pero que arrebata con detalles cotidianos provocativos que sólo quedan en la memoria para que recordar que estamos, al final de cuenta, en agonía latente (Brainy):

I’ve been draggin around from the end of you coat for two weeks,
Everywhere you go is swirlin, everything you say has water under it,
You know I keep your fingerprints in a pink folder in the middle of my table
you’re the tall kingdom I surround
think I better follow you around

Emociones que se amplifican hasta tener la certeza de:

Turn the light out say goodnight
no thinking for a little while
lets not try to figure out everything it wants
It’s hard to keep track of you falling through the sky
we’re half-awake in a fake empire
we’re half-awake in a fake empire

Fake empire (inmejorable opening track: una canción abrasiva/bautismal) abre un disco coherente en sus imágenes dispersas: espejo de un sonámbulo abocado al desastre. The National ha logrado conjugar influencias para elaborar un ámbito intermedio donde hay un calor, un perfume que espera casi póstumamente (Green Gloves)

Falling out of touch with all my
friends are somewhere getting wasted,
hope they’re staying glued together,
I have arms for them.

Los cuarenta y tres minutos de este disco están llenos de intensidad en la guitarra (a cargo de Aaron y Bryce Dessner) para bañar un universo sombrío con misterio. Canciones/súplicas de cansancio/separación donde caben los temores más burdos (Apartment Story):

we’re so disarming darling, everything we did believe
is diving diving diving diving off the balcony
Tired and wired we ruin too easy
sleep in our clothes and wait for winter to leave

Un disco maduro con un bagaje cotidiano desbordante de inclinaciones poéticas. Una sorpresa agradable.

En su sitio de myspace podrán escuchar los dos primeros tracks (Fake Empire y Mistaken for Strangers) de este disco benigno.

5 para bailar

2007-07-08T03:17:00.001-05:00

Otro episodio del podcast de las niñas y las mamaces.

Bailar me hace sudar, bailar te hace brillar, vamos a bailar y vamos a gozar.

1. Friday at The Rex - Jay Jay Johanson
2. I'd Rather Dance With You - Kings of Convenience
3. Twist and Shout - The Beatles
4. Get Dancey - New Young Pony Club
5. Upon This Tidal Wave of Young Blood - Clap Your Hands and Say Yeah

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Disfrútenlo.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: La vida de Mus

2007-07-07T21:34:00.000-05:00

Mus
La Vida
Green Ufos
2007

ay de mi, que me oscurece..
Mus

...ladies and gentlemen: en 2007 no escucharán un disco tan melancólico y exacto en sus imágenes mayúsculas de desamparo como una segunda piel...

Después de diez años de aparecer en la escena musical Mus, dúo formado por Fran Gallo y Mónica Vacas (debutando en 1997 con el EP Zuna) ha alcanzado una madurez excelsa. Pero no sólo eso, tal vez en esta ocasión han creado casi una obra de arte, un pop tan suave, tan delicado como una luz inaudible. El disco La vida no un conjunto de doce canciones: eso es demasiado vulgar. Estamos frente a una colección de acuciosas acuarelas musicales que abarcan todo las sombras, todos los ocasos; Esta no es una obstinada metáfora, porque no existe otra manera de explicar (¿se podrá?) un legado transparente de este disco de Mus. Los incrédulos arrogantes (que nunca faltan y presumen haber escuchado todo) dirán que la voz de Mónica Vacas es un vil remedo de Hope Sandoval o que en lugar de escuchar el nuevo trabajo de Mus se esconden en la discografía de Mazzy Star o de Mojave 3. En la música nunca hay que perder la capacidad de asombro para valorar a los grupos tienen raíces profundas, pero que también aportan nueva sensibilidad enriquecida. Claro que Mus le debe a Mazzy Star. Pero eso no es un defecto. Es gratitud musical y no otra cosa. En pocas palabras La vida es un ser de aurora, de imágenes solitarias en un camino de cincuenta minutos. Un sueño atemporal/homenaje a la lírica asturiana y por eso la canción inicial (Per tierres baxes) se basa en un poema popular para recordar a los montañeses que tuvieron que abandonar su tierra. La canción inicial marca el tono del disco: un esbozo de soledades extrañamente magnéticas que se mueven en un ambiente campestre. Recordemos la breve discografía de Tarnation y sus crónicas de carretera y viento para saber que el lugar de origen es un mapa inmenso donde caben todas las historias, todos los desencuentros. Mus recurre al cobijo de Asturias para crear una orografía de alma (Animas del purgatorio) o el golpe seco de un sueño (Una estación xelada). Fran Gallo y Mónica Vacas han creado un acuarelas para cerrar los ojos durante cincuenta minutos. Y al abrirlos, los nuevos matices del cielo rozarán la felicidad en asturiano...

... un ascetismo extraño de luz...y aparentemente es el último disco de Mus. Si es así, cuánta elegancia en la despedida...

per tierres baxes, Mus

Que me oscurece: Mus

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: At the End of Paths Taken, de Cowboy Junkies

2007-07-06T11:31:00.000-05:00

Cowboy Junkies
At the End of Paths Taken
Zoe Records
2007

¿Por qué es necesario un nuevo disco de Cowboy Junkies? Porque después de veinte años en la escena musical nadie esculpe canciones como estos canadienses. La voz de Margo Timmins (cómplice y presta al influjo de la guitarra de Michale Timmins) no se cansa de contar historias de las sombras en la madrugada (Brand New World) :

to lie in wait
as the shadows and the shapes
spill across the walls
like a river
deep
in spate.

4am.
Dark reality.
Brand new world
and my heart
is missing

Cowboy Junkies siempre han caminado en las tortuosas tonalidades nocturnas que parecen medir el tiempo y abruman en esos segundos eternos de las madrugadas solitarias (Spiral Down):

I’ve laid it out on paper,
instructions of what to do,
as my mind begins to waver,
losing contact with you

Una demoledora descarga de pausados arreglos de cuerdas que se toman su tiempo para entrar (como en el track Brand New World). He aquí la presencia de un sonido que ha madurado, con acústica reluciente que va directamente a la yugular porque se nutre de la desesperanza de lo efímero y siempre con una base de cuerdas. Blue Eyed Saviour puede ser una escalofriante hojarasca de otoño porque

Listen to my wide eyed bundle.
Listen to them assail the night.
Lost again in their caves of wonder,
leaving us alone outside.
And I can barely stand the simple pleasure,
each breath carrying just a little more weight.
As I bend to adjust the comforter
I think, “hope: the belief that loved ones will never die”
I’ve never heard such nonsense,
I’ve never heard such lies

Después de veinte años Cowboy Junkies siguen siendo reincidentes de las historias de despedida, de la cama tibia, de la búsqueda del Salvador (emocional, no espiritual), sobre las historias paternas que arrojan luz perenne (la canción Follower 2, es un destellante himno al padre a punto de estallarle el corazón, bellísima en verdad). Pocos discos logran sacudir con arpegios intimos y con una voz femenina curtida con ese mirar que lo abarca todo.

Porque al final de los caminos siempre hay crepúsculos que no se equivocan.

Brand New World: Cowboys Junkies

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EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO:Höstluft de Library Tapes

2007-07-05T22:53:00.000-05:00

Library Tapes
Höstluft
Make Mine Music
2007

Hay partituras donde el sueño tañe en cementerios marinos...

Un nuevo disco de Library Tapes viene a enriquecer los sonidos de verano y nos lleva de la mano para recorrer el repertorio breve del fulgor. Llueve en estos días. Nada mejor que esconderse durante los treinta y tres minutos que dura el nuevo disco de Library Tapes (el hermoso concepto musical del sueco David Wenngren) y disfrutar de las preciosistas miniaturas melódicas que emotivamente se tejen con la memoria de un atractivo scratch de acetato como un único argumento. Otro eco de la escuela exquisita de Erik Satie, pero la virtud de Library Tapes es encontrar la sonoridad precisa de un acorde y su equilibrio (como en Skiss Av Träd, por ejemplo) para no caer en la trampa de un sentimentalismo ramplón. Porque el sonido de Library Tapes parece venir de un pasado sereno donde las palabras han dejado de ocupar un lugar primordial para sólo evocar las imágenes de la bruma interior. Un hermosa memoria del pasado que es cómplice de un hipnótico y concentrado murmullo de piano con retorno al disfrute de lo mínimo. De pronto, los acordes incesantes y breves parecen construir un hermoso tratado de inmovilidad y de silencio herido en la geografía diminuta de una nota musical. Inagotable y eterno.

...el abismo de un acorde sereno:
Skiss Av Träd a cargo de Library Tapes

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EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Les Ondes Silencieuses de Colleen

2007-07-04T21:11:00.000-05:00

Les Ondes Silencieuses
Colleen
The Leaf Label
2007

...la mesura del interior...

Colleen (seudónimo de Cécile Schott) vuelve a grabar para el sello inglés Leaf Label (ese sello hermano de 4AD). El regreso a casa después del esencial Mort aux vaches para el sello Staarplaat del año pasado.¿ Y qué se encuentra en el nuevo disco de Colleen llamado Les Ondes Silencieuses? Antes que nada, la búsqueda terca de la pureza del sonido (¿o es otra cosa la melodía serena Echos and Choral con toda la herencia de Olivier Messiaen?), pero sobresale, antes que nada un tono de mesura. Los dos primeros discos de Colleen (Everyone Alive Wants Answers y el microcosmos excelso de The Golden Morning Breaks) lograron dar a conocer a una artista de la miniatura sonora (siempre en lectura impetuosa de loops acústicos) con la herencia de las texturas Satie o Brian Eno. El nuevo disco de Colleen es una sorpresa para bien. A su mundo musical se incorporan los sonidos de la viola de gamba, clarinete, guitarra clásica cargados de una madurez interpretativa, pero de notable sencillez. Aquellos que crean tener una idea del universo melódico de Colleen deben asomarse a esta aventura de alcances serenos y poéticos. Decir que este disco es más música clásica que otra cosa es alejarse de un mundo refinado y ánimo generoso. Porque Colleen ha dado un paso adelante en su sonido (esa primera melodía This place in time es un depurado ejercicio de calidez mientras la pieza de The Sun against my Eyes, con una monumental ejecución de guitarra clásica, sobrale con una luz primororosa y por su pulsación rítmica. De igual forma el track Les Ondes Silencieuses se distinge por su infatigable serenidad de un refinamiento sobrio aunado a la expresividad atenta al detalle, pero la más acabadas de todas las composiciones de este disco es Blue Sands: ahí se acentúan los contrastes rítmicos que parecen crecer sobre sí mismos para alcanzar una disonancia extraordinaria: Colleen ha entrado al mundo de las variaciones interiores para alcanzar una bondad musical de belleza trascendente.

La textura de una alquimia enriquecida por una sensiblidad inteligente:

(*nota: yo quería escribir sobre esta recopilación, pero seguro pierdo la apuesta)

Colleen: This Place in Time

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